Der bescheidene Charme der Raritäten. Zum Gemälde eines Jungen mit einer Pfeife Pablo Picasso Picasso-Junge mit einer Pfeifenmalerei
Zum Gemälde „Junge mit Pfeife“ von Pablo Picasso
„Junge mit Pfeife“ (französisch Gar;on; la Pipe) ist ein Gemälde, das der 24-jährige Künstler Pablo Picasso 1905 in einem Hostel im Bateau Lavoir in Montmartre gemalt hat. Für Picasso ist diese Periode die frühe, vorkubistische und übrigens die wertvollste. Die Leinwand gehört zu einer seltenen Kategorie ikonischer Gemälde für jeden Meister: Sie markierte den Übergang des Künstlers von der „blauen“ zur „rosa“ Periode.
Das teuerste Gemälde der Welt?! Ja, außer dass es in die Top 10 der teuersten Gemälde der Welt aufgenommen wurde – es belegte den dritten Platz. Im Jahr 2004 kaufte ein unbekannter Käufer bei einer Sotheby’s-Auktion Pablo Picassos „Junge mit der Pfeife“ (Garson a la Pipe) (100; 81,3 cm) aus dem Jahr 1905 für 104,168 Millionen US-Dollar, obwohl der ursprüngliche Auktionspreis 70,00 Millionen US-Dollar betrug. Die Leitung der Whitney Family Foundation versteigerte „Junge mit Pfeife“ zusammen mit 34 weiteren Gemälden aus ihrer Sammlung. Picasso-Gemälde verschiedene Perioden Heute sind sie führend auf dem Kunstmarkt und brechen alle erdenklichen Preisrekorde.
Interessanterweise gilt Picasso als einer der „produktivsten“ Künstler: Mehrere Tausend seiner Werke sind im Umlauf. Für Massenattraktivität sorgen aber vor allem seine um ein Vielfaches günstigeren Spätwerke. Manchmal hat man das Gefühl, der Autor von Gemälden aus der „blauen“ oder „rosa“ Periode der Jahrhundertwende sei der Kubist Picasso und der alternde Meister der Kunst des 20. Jahrhunderts, zu dem er nach dem Zweiten Weltkrieg wurde drei unterschiedliche Leute, drei verschiedene Künstler.
Es wurde vermutet, dass der Käufer des „Jungen mit der Pfeife“ ein Russe war. Wenn ja, dann kann man über den Namen nur raten, aber das Interesse der Käufer aus unserem Land an Picassos Werken ist offensichtlich – zum Beispiel kaufte am 3. Mai 2006 ein gewisser Russe Picassos „Dora Maar mit Katze“ bei New Yorker Auktion bei Sotheby's für 95 Millionen US-Dollar, und wenn wir auf der höchsten Rangliste wären teure Arbeit, dann würde dieses Ergebnis darin souverän den zweiten Platz belegen.
Was ist über „Der Junge mit der Pfeife“ bekannt? Das Werk gilt gewissermaßen als Wendepunkt für Picasso. Nach einer fröhlichen Reihe von Akrobaten, Tänzern und Harlekinen malte er unerwartet ein schlichtes, etwas trauriges Porträt eines Pariser Jugendlichen. Einigen Quellen zufolge wurde der abgebildete junge Mann „Little Louis“ genannt; Er war entweder Schauspieler oder arbeitslos; er schaute dem Meister oft bei der Arbeit zu und sie hatten ein freundschaftliches Verhältnis.
Auch die Umstände der Entstehung des Gemäldes sind bekannt. Es blieb etwa einen Monat lang unvollendet, doch eines Abends kehrte Picasso in sein Atelier in Montmartre zurück, holte das Gemälde heraus, ergänzte es mit einem rosa Hintergrund (rosa Tapete mit Blumensträußen) und krönte den Kopf des Jungen mit einem Kranz aus Rosen. Ein unerwarteter Inspirationsschub des Künstlers bescherte der Welt ein weiteres Meisterwerk. Denn vor dem Hinzufügen eines Rosatons wirkte das Bild karg, ein schlichtes, unschönes Gesicht eines Jungen, das auf vielen Gemälden des Künstlers zu sehen war – leicht gebeugt, mit schmalen Schultern und großen Ohren.
Das Gemälde wurde 1886 in Holland gemalt. Zum Auffüllen technische Mängel Aufgrund mangelnder künstlerischer Ausbildung musste Van Gogh immer wieder Skelette und Schädel zeichnen. Kunstkritiker erklären das Vorhandensein einer Zigarette als Versuch des Künstlers, seine Ablehnung der unveränderlichen Regeln der Akademie der Künste zum Ausdruck zu bringen, an der er weniger als ein Jahr studierte. Fakt ist, dass sich die Akademie kategorisch gegen unnötige Details bei den „Trainingseinrichtungen“ aussprach. Eine Zigarette auf dem Schädel würde also Van Goghs ehemalige Lehrer sicherlich beleidigen.
Pablo Picasso, „Frau mit Zigarette“
Das Gemälde entstand 1901. Die melancholische Stimmung des Werkes dieser Zeit hängt mit der schwierigen psychischen Verfassung des Künstlers zusammen: Er ist kürzlich gestorben enger Freund Carlos Casagemas. Laut Kunstkritikern symbolisiert die Zigarette in der Hand der Dame das Leben, das entweder glimmt oder durch einen Windstoß aufflammt. Und dann geht es komplett aus.
Edouard Manet, „Zigeunerin mit Zigarette“
Dieses Werk des Begründers des Impressionismus sorgte 1862 für Aufsehen. Tatsache ist, dass Manets Zeitgenossen in der Zigeunerin leicht das Bild einer primitivsten, trockenen und tugendhaften Matrone erkannten. So wird die Zigarette in ihren Lippen zum Symbol der Freiheit: Bei jedem Verlangen brennt sie und ist zugleich voller Vergnügen und Gefahr.
Pjotr Zabolotsky, „Das Mädchen mit der Zigarette“
Pjotr Sabolotski war der Beste darin, wahrheitsgetreue Porträts anzufertigen. Im Jahr 1830, als der Künstler auf dem Höhepunkt seiner Schaffenskraft stand, entstand nur eines dieser Porträts – „Mädchen mit Zigarette“. Eine Zigarette in der einen und ein brennendes Streichholz in der anderen Hand unterstreichen den Reinheits- und Naivitätssinn des Models und verleihen dem Bild zudem eine frivole Stimmung.
Salvador Dali, „Selbstporträt“
Dies ist Salvador Dalis erstes Selbstporträt, gemalt im Jahr 1921, im Alter von 17 Jahren: Ein düsterer junger Mann mit einer Pfeife im Mund blickt ihm verächtlich über die Schulter. Es entsteht das Gefühl, als würde er dem Betrachter gleich Rauch ins Gesicht ausstoßen und damit deutlich machen, wie viel höher er über der gesichtslosen Menge steht.
Pjotr Kontschalowski, „Porträt von V. E. Meyerhold“
Die Arbeiten an dem Gemälde begannen 1938, als Meyerhold bei der Macht bereits in Ungnade gefallen war. Trotz der scheinbaren Fröhlichkeit des Gemäldes – der bunten Farben und komplizierten Muster des Teppichs – erzeugt es beim Betrachter eine ängstliche Stimmung. Nach Ansicht einiger Kunstkritiker sollte das Gemälde die Intensität des Denkprozesses des Intellektuellen vermitteln. Was ist der Denkprozess ohne Zigarette?
Max Beckmann, „Selbstbildnis in der Uniform eines Ordonnanzbeamten“
Einer der besten deutschen Porträtmaler des 20. Jahrhunderts malte im Alter von 13 Jahren sein erstes Selbstporträt. Und auf diesem 1915 entstandenen Selbstporträt ist Beckmann bereits 31 Jahre alt. „Selbstbildnis in der Uniform eines Sanitäters“ erschien kurz nach der Demobilisierung des Künstlers von der Front. Beckmans Psyche wurde durch den Krieg gebrochen. Natürlich hat er sich in dieser Zeit nicht von einer Zigarette getrennt.
Edvard Munch, „Selbstbildnis mit brennender Zigarette“
Einer der depressivsten Maler der Geschichte ließ sich für seine düsteren Gemälde von seiner eigenen Biografie inspirieren. Das Leben stellte ihn vor eine Prüfung nach der anderen: die sadistische Religiosität seines Vaters, der Tod einer Schwester, die Schizophrenieerkrankung einer anderen, seine eigene Psychische Störung, die Braut, die ihm ständig mit Selbstmord drohte... Im Allgemeinen hatte Munch genug Probleme. Kein Wunder, dass er geraucht hat. Sogar in seinem eigenen Selbstporträt von 1895.
Text: Andrey Belokon
Gemälde sind seit langem ein Objekt der Begierde mächtig der Welt Das. Ein unvergängliches Meisterwerk im Palast zu haben, galt selbst unter Monarchen als prestigeträchtig. Für Unternehmer galt ein solches Privileg als Übergang in die High Society.
Unsere Industriellen – Schtschukin, Morosow, Tretjakow – hatten einen besonderen Geschmack und ein besonderes Gespür für Talente. Und heute versuchen russische Geschäftsleute, Traditionen wiederzubeleben. Sie sind seit langem Stammgäste bei Auktionen von Christie’s und Sotheby’s. Dank ihrer Bemühungen kehrten viele Meisterwerke russischer Künstler in ihre Heimat zurück.
Allerdings müssen wir zugeben, dass sie noch weit von ihren westlichen Pendants entfernt sind. Sie fühlen sich auf dem Kunstmarkt zu Hause und es ist schwierig, mit ihnen zu konkurrieren. Sie wissen bereits, was und wann sie kaufen müssen, denn der Besitz großartiger Gemälde ist nicht nur prestigeträchtig, sondern auch profitabel – sie können immer mit Gewinn weiterverkauft werden.
Die Preise für Gemälde steigen ständig. Es ist jedoch unmöglich, den möglichen Erfolg eines bestimmten Films vorherzusagen. Meist spricht ein Rekordpreis nicht für das Können des Künstlers, sondern lediglich für eine erfolgreiche Marktsituation. Der Beweis dafür ist die Bewertung der teuersten Gemälde der Welt.
An der Spitze steht heute Pablo Picassos Gemälde „Der Junge mit der Pfeife“. Im Jahr 2004 wurde es bei Sotheby's für 104.168.000 US-Dollar verkauft. Picasso malte 1905 „Der Junge“. Das Gemälde wurde von Paul Mendelssohn-Bartholdy, einem deutschen Industriellen und Sohn des Komponisten, gesehen. 1910 kaufte er das Gemälde. Und 1950 ging das Porträt für 30.000 Dollar in die Hände des damaligen US-Botschafters in England, John Whitney. Seitdem ist der Preis um ein Vielfaches gestiegen.
In der Liste der zehn teuersten Gemälde der Welt befinden sich drei weitere Gemälde von Picasso: „Frau mit verschränkten Armen“ (7. Platz, 55 Millionen US-Dollar), „Frau sitzt in einem Garten“ (9. Platz, 49,5 Millionen US-Dollar) und „ Pierrettes Hochzeit“ (10. Platz, 49,2 Millionen).
Vor dem Triumph von „Der Junge mit der Pfeife“ lange Zeit Das teuerste Gemälde der Welt war „Porträt des Doktor Gachet“ von Vincent Van Gogh. Der Künstler malte es kurz vor seinem Tod. Bekanntlich gelang es dem Künstler zu Lebzeiten nicht, eine einzige Kreation zu verkaufen, und am meisten Van Goghs Werke wurden von seinem Bruder geerbt. 1896 wurde das Gemälde verkauft und wanderte einige Zeit durch verschiedene Sammlungen. 1990 wurde es bei Christie's für 82,5 Millionen Dollar versteigert. Es wurde von einem japanischen Geschäftsmann gekauft, doch bald lief sein Geschäft schlecht und das Gemälde verschwand.
„Porträt des Doktor Gachet“ ist nicht das einzige Werk von Van Gogh im Ranking. Den fünften Platz belegt „Portrait of the Artist without a Beard“ im Wert von 71,5 Millionen US-Dollar. Und auf dem achten Platz liegt sein „Irises“ (53,9 Millionen US-Dollar). Die Werke von Vincent Van Gogh sind in Bezug auf Kosten und Kosten heimlich führend auf dem Kunstmarkt Investitionsattraktivität. Fast jeder Teilnehmer am Kunstmarkt – sowohl Sammler als auch Investor – würde viel dafür geben, ein Gemälde des großen Malers zu erwerben. Und das ist nicht verwunderlich, denn Van Gogh ist einer der wenigen Künstler, deren Gemälde schnell im Preis steigen. Es wird angenommen, dass Van Goghs Gemälde eines der profitabelsten Investitionsobjekte ist.
Das drittteuerste Gemälde der Welt ist „Der Ball in der Moulin de la Galette“ von Pierre Auguste Renoir. Der Sultan von Brunei zahlte dafür 78,1 Millionen Dollar.
Nur ein paar Hunderttausend hinter Renoir liegt Rubens‘ Massaker an den Unschuldigen (76,7 Millionen). Die alten Meister hinken in der Regel den Genies des letzten Jahrhunderts hinterher. Hoher Preis Rubens' Meisterwerk erklärt sich aus der Tatsache, dass es erst kürzlich entdeckt wurde.
Das letzte unter den zehn teuersten Gemälden der Welt ist „Stillleben mit Vorhang und Krug“ von Paul Cezanne. Dieses Gemälde ist Teil einer Serie von sechs Stillleben, die jeweils dieselben Objekte darstellen. Eines dieser Stillleben befindet sich in unserer Eremitage.
Die Preissteigerungsrate für erstklassige Gemälde übersteigt häufig die Preissteigerungsrate für Immobilien und andere hochprofitable Investitionsobjekte. Es ist kein Zufall, dass Meisterwerke anerkannter Meister, die zur Versteigerung kommen, nach wie vor Gegenstand großer Aufmerksamkeit und eines Preiswettbewerbs unter Sammlern und Investoren sind.
Neben denen, die zu den zehn teuersten gehören, gelten mehrere andere Künstler als die attraktivsten, darunter der Meister der Pop-Art Andy Warhol. Der Startpreis für sein Gemälde „Orange Marilyn“ bei Sotheby's betrug 6 Millionen US-Dollar. Es wurde jedoch für 17 Millionen an einen unbekannten Käufer verkauft.
Die Preise für Warhol-Gemälde verzeichneten zuletzt einen Anstieg von 12 bis 17 Prozent pro Jahr. Allerdings kam es in manchen Jahren zu einem Preisverfall von 20 Prozent für Meisterwerke. Dies bestätigt die Meinung einiger Experten, die dies zugeben kurzfristig In die Werke des King of Pop Art zu investieren ist riskant.
Der Name Max Beckmann ist in der breiten Öffentlichkeit deutlich weniger bekannt, dennoch sind die Werke dieses prominenten Vertreters der deutschen klassischen Moderne des 20. Jahrhunderts laut Kritikern heute ein durchaus attraktives Anlageobjekt. Eines der berühmtesten Werke des Meisters war „Selbstbildnis mit Horn“, das 1938, ein Jahr nach seiner Emigration in die USA, entstand. Es wurde bei Sotheby's für 22,5 Millionen Dollar verkauft, was einen Rekord für Werke deutscher Künstler darstellt. Analysten erwarten einen stabilen Preisanstieg für Gemälde des Meisters auf einem Niveau von mindestens 10 Prozent pro Jahr.
Das Gemälde „Environs of Krum“ des österreichischen Expressionisten Egon Schiele wurde in London für 21 Millionen Dollar versteigert. Preise für Arbeit
E. Schiele entweder stark steigen oder stark fallen. Sie stiegen im Jahr 2000 um 453 Prozent, fielen 2002 um 250 Prozent und stiegen ein Jahr später um 2.100 Prozent.
Einer der berühmtesten italienischen Bildhauer und Maler, Amedeo Modigliani, kam zu Lebzeiten kaum über die Runden. Investitionen in Modiglianis Werke zeichnen sich heute durch hohe Rentabilität und Stabilität aus. Ihre Preise steigen ständig. Jährliches Wachstum Marktwert kann 20-50 Prozent erreichen.
Die Preise für Werke von Claude Monet sind sogar höher als für Werke von Cezanne. Darüber hinaus sind Monets Werke bei Sammlern beliebter und Investitionen in die Gemälde dieses Meisters sind rentabler als in die Werke der meisten anderen Impressionisten.
Das teuerste Gemälde, das jemals in unserem Land verkauft wurde, wurde dem Staatlichen Museumsfonds hinzugefügt. Dies ist die vierte („Samara“) Version von Kasimir Malewitschs „Schwarzes Quadrat“. Berichten zufolge zahlten sie dafür eine Million Dollar.
Nun, im Allgemeinen war das teuerste russische Gemälde „Stillleben mit Blumen“ von Ilja Maschkow, das bei Sotheby’s in London für 3,6 Millionen Dollar versteigert wurde.
Es wird angenommen, dass das Gemälde im Jahr 1912 gemalt wurde. Die Auktionatoren gingen davon aus, dass das Gemälde für 350.000 bis 500.000 Dollar verkauft werden würde, aber das Bieten war langwierig und hartnäckig, wodurch sich der Preis des Gemäldes versiebenfachte. Frühere Rekorde für „russische“ Auktionen wurden 2004 durch „Die Isaakskathedrale an einem frostigen Tag“ von Ivan Aivazovsky (2,125 Millionen US-Dollar) und „Das Urteil des Paris“ von Konstantin Makovsky (2 Millionen US-Dollar) aufgestellt.
Oben links: Picasso. 05.
Eine neue Ära in der Weltkunst wurde durch das Werk von Pablo Picasso markiert. Der Franzose spanischer Herkunft übertrifft seine Vorgänger in der Ausdruckskraft des Bildes, die durch extreme Spannung der Linien und eine für diese Zeit beispiellose Kühnheit in der Formenvermittlung erreicht wird.
Pablo Picasso wurde in Malaga geboren, studierte Malerei in Barcelona und dann in Madrid an der Akademie von San Fernando. Pablos Talent zeigte sich bereits in der Kindheit. Bereits im Alter von 15 Jahren malte er mit dem Können und Selbstvertrauen eines reifen Meisters. Der junge Künstler kam 1901 nach Paris – aus akademischer Sicht war er bereits ein etablierter Meister: Er malte recht professionell und beherrschte das Zeichnen fließend. Die neue französische Kunst fasziniert Picasso, er nimmt gierig vielfältige Einflüsse auf; Daumier und Degas, Van Gogh und Toulouse-Lautrec erregen seine Aufmerksamkeit. Picassos Werk, hell, scharf grotesk und originell, ist in dieser Zeit nicht ohne einen Hauch von Nachahmung. Ab 1901 entwickelte Picasso jedoch einen eigenen Stil, der die sogenannte „blaue Periode“ in seiner Kunst prägte. Der Künstler malt ausschließlich in kalten, blaublauen Tönen. Die Figuren in seinen Gemälden sind arm, krank oder aus dem Leben geworfen. Die kalte Farbe verleiht den Werken entweder einen traurigen oder tragischen Klang.
Das Thema der Benachteiligten rückt in die nächste, sogenannte „Rosenperiode“ von Picassos Werk. Seine Traurigkeit hat jetzt einen helleren, lyrischen Farbton. Die Farbgebung der Gemälde basiert auf einer Kombination aus zarten Rosa- und Blautönen. Den Künstler fühlen sich Szenen aus dem Leben reisender Zirkusartisten angezogen. Ihr Leben zieht vor dem Betrachter vorbei – hart, arm, wenn auch nicht ohne einen eigentümlichen romantischen Charme. Das Thema spirituelle Intimität, zärtliche Liebe oder Kameradschaft spielt in diesen Gemälden eine besondere Rolle.
Das Können seiner Zeichnung kann anhand der hervorragenden kleinen Gouache „Junge mit Hund“ beurteilt werden, die sich in der Hermitage-Sammlung befindet und die Kunst von Picassos „Rosenzeit“ perfekt charakterisiert.
Eine ruhige und treue Freundschaft verbindet einen gebrechlichen Jungen und einen Hund – einen einfachen Mischling mit klugem Gesicht, der sich vertrauensvoll an das Bein seiner kleinen Besitzerin klammert, während er ihren Kopf streichelt. Picasso betont die Schlankheit des Jungen und stört damit etwas die Proportionen seines Körpers, aber diese Deformation (die übrigens nicht daran hindert, die prächtige Zeichnung wahrzunehmen) betont nur den Eindruck, der gemacht wurde, und dient daher dazu, die Wahrhaftigkeit zu verstärken. Das Bild ist berührend, ohne Sentimentalität, es ist zutiefst menschlich. Durch die Darstellung eines dünnen, blassen, großköpfigen Kindes, hungrig und in Lumpen gekleidet, erniedrigt der Künstler nicht seine Würde, sondern verleiht seinem Bild eine subtile Poesie. In „Der Junge mit dem Hund“ manifestiert sich Picassos hoher Humanismus, der ihn prägt Hauptmerkmal all seine Kunst.
