Surrealismus, berühmte Künstler und ihre Gemälde. Gemälde im Stil des Surrealismus. Surrealismus in Russland

Freitag, 15. September 2017

Surrealismus(vom französischen Surrealismus – „Superrealismus“) – eine Richtung in Malerei, Kino und Literatur des 20. Jahrhunderts, die sich in den 1920er Jahren in Frankreich entwickelte. Der Begriff „Surrealismus“ stammt vom Dichter Guillaume Apollinaire. Ende der 1910er Jahre gelang es ihm, mit Andre Breton, Philippe Soupault, Louis Aragon und Jean Cocteau Weggefährten um sich zu scharen – junge Dichter, die sich Surrealisten nannten. 1917 inszenierte Apollinaire sein „surrealistisches Drama“ „Die Tränen des Tiresias“ (Les mamelles de Tiresias). Als Begründer des Surrealismus gilt jedoch der französische Schriftsteller und Dichter Andre Breton, der 1924 das erste „Manifest des Surrealismus“ veröffentlichte, in dem er das Wesen der surrealistischen Bewegung erläuterte.

Was zeichnet den Surrealismus aus? Was ist seine Besonderheit und sein Unterschied zu anderen Richtungen? Versuchen wir es durch Anschauen herauszufinden ⇩

Samstag, 15. April 2017

1. Der Einfluss von Bergsons Philosophie und Freuds Lehren.
Unter dem Einfluss dieser Wissenschaftler entstand die Vision surrealistischer Künstler.
Laut Bergson ist ein Mensch in der Lage, die Welt, das Überreale, zu begreifen, wenn er zulässt, dass die Intuition über Vernunft und Logik siegt. Ein Mensch wird real, ohne Komplexe und Vorurteile, wenn es ihm gelingt, sich von der Kontrolle des Geistes zu befreien. Nur so entsteht „reine“ Kunst, die in der Lage ist, das Wesen der Existenz widerzuspiegeln, das sich hinter der Barriere der Vernunft verbirgt. Freuds Beitrag bestand darin, dass er das Unterbewusstsein als ein Phänomen definierte, das das menschliche Denken und Verhalten bestimmt. Nach seiner Theorie sind Träume nichts anderes als Eindrücke, Erfahrungen, Bilder, Gedanken, verborgene Wünsche, Erinnerungen, die vom Bewusstsein in den „Speicher“ des Unterbewusstseins verdrängt wurden, wo sie sich ständig als unbewusste Komplexe befinden.
So versuchten die Surrealisten, so tief wie möglich in das Unterbewusstsein einzudringen und sicherzustellen, dass ↯

2. Realitätsvermeidung, Ablehnung von Logik, traditioneller Weltanschauung, Unterscheidung der Dinge in gut und schlecht, falsch und wahr, schön und hässlich.
Dazu verwendeten sie folgende Methoden: ↯

3. Nachahmung von Merkmalen der primitiven Kunst, der Kreativität von Kindern und Geisteskranken. Bild von Träumen, Halluzinationen.
Die Surrealisten hielten es für notwendig, der Realität zu entkommen und freien Assoziationen, dem „kreativen Wahnsinn“, freien Lauf zu lassen. Um in die Sphäre des Unterbewusstseins vorzudringen, griffen Künstler auf Hypnose, Alkohol und Drogen zurück. Salvador Dali griff direkt nach dem Aufwachen auf eine Methode zurück, Träume festzuhalten: Eine Leinwand mit Farben war immer „im Dienst“ neben seinem Bett, außerdem schlief er oft auf einem Stuhl mit einem Schlüssel in der Hand ein, der anschließend fiel und aufwachte Maler, und Dali versuchte schnell darzustellen, was er träumte.
Von hier aus können Sie in ihren Gemälden ↯ sehen

4. Kombination aus real und fiktiv. Veränderungen in der Form und Größe von Objekten: Schwere Formen werden schwerelos, feste Objekte breiten sich aus und kleine nehmen unrealistisch große Größen an.
Erscheinen ↯

5. Optische Täuschungen– Doppelgemälde, die Elemente in sich enthalten, die nicht sofort wahrnehmbar sind. Beim ersten Blick auf ein surreales Gemälde könnten Gedanken über die Absurdität des Werkes aufkommen – viele chaotische, zusammenhangslose Elemente, aber ↯

6. Die Bedeutung liegt in der Symbolik der Bilder. Beim Betrachten der Werke der Surrealisten versucht der Betrachter, sie zu verstehen, die Bilder zusammenzusetzen und zumindest eine Bedeutung zu erkennen. Und er [der Betrachter] sieht – nicht unbedingt das, was der Künstler geschaffen hat, sondern sein eigenes, basierend auf seiner Weltanschauung und Lebenserfahrung.
Auf diese Weise versuchen die Surrealisten ihr Hauptziel zu erreichen – ↯

7. - Führen Sie den Betrachter zum Nachdenken.
Ob ihnen das gelang oder nicht, können Sie selbst verstehen, indem Sie sich mit den Werken der berühmtesten Surrealisten vertraut machen.

Ein charakteristisches Merkmal des Surrealismus ist die Verwendung paradoxer Kombinationen von Formen und Illusionen. Es verbindet gekonnt Traum und Realität, Reales und Fiktives.

Surrealistische Künstler wurden von einer Idee inspiriert – einer Revolution ihres eigenen Bewusstseins.

Und Kunst war ihrer Meinung nach ein Werkzeug dafür.

Intuition (laut dem Philosophen Henri Bergson) ist das einzige Mittel, um die Wahrheit zu erkennen, und auf dieser Idee entsteht Kunst, in der die Realität um uns herum in Form einer „individuellen Vision“ und nicht als logisches Konzept wahrgenommen wird. Der kreative Prozess selbst hat einen mystischen, irrationalen Charakter. Die damals modische Lehre der Psychoanalyse von Sigmund Freud hatte großen Einfluss auf die Ästhetik der Surrealisten.

Im Jahr 1917 erwähnte der französische Dichter Guillaume Apolner erstmals den Begriff „Surrealismus“. Aber erst 1924 erhielt der Surrealismus Einzug theoretische Basis im „Ersten Manifest“ von André Breton.

Surrealistische Künstler

Laut Theorie Surrealismus Das wahre menschliche Wesen und das umgebende Universum können „nur durch intuitive, unbewusste Gefühle“ widergespiegelt werden.

Halluzinationen, Delirium, Träume – das kann man denken Surrealisten sich mit der Realität vereinen und so die absolute Realität erlangen – die Superrealität.

Eine der Haupttechniken des Schaffens der Surrealisten ist die „Verbindung des Unverbundenen“, das Zusammenführen von Bildern und einander fremden Bildern. Im Surrealismus ist die Symbolik von Bildern und magische Bedeutungen von Sachen. Fortschrittliche, aufstrebende Jugendliche, die Veränderungen in der Gesellschaft anstreben, eint der Surrealismus. Die hasserfüllte Realität weicht dem Wunsch zu haben zurück völlige Freiheit Kreativität und Denken. Vielen schien es, als würde der Surrealismus die Kluft zwischen der Gesellschaft und dem Künstler überbrücken und letzteren über die Realität erheben.

Der „reine psychologische Automatismus“ wurde zur grundlegenden Methode des Surrealismus, bei dem Künstler fragmentarische Bilder fiktiver und realer Objekte in den unvorstellbarsten Vergleichen auf Leinwände übertrugen. Durch die Schaffung weit hergeholter irrationalistischer Ideen in den Gemälden beraubten die Künstler die Gemälde ihrer Emotionalität und ihres inneren Inhalts.

Dieser Ansatz stimuliert die Erfindung einer neuen Bildtechnik: Aufkleben, Reiben, Entfernen der obersten Farbschicht auf dem Bild, Räuchern usw.

Dank der „r“-Technik einfach gemacht„und Collagen erzeugen absurde und widersprüchliche Bilder.

Zu den führenden Meistern des Surrealismus in der Anfangsphase der Entstehung dieser Kunstrichtung (20er Jahre des 20. Jahrhunderts) gehörten Max Ernst, Joan Miró, Andre Masson und Yves Tanguy. Ein Jahrzehnt später erlangt der Surrealismus in der Weltkunst zunehmend Anerkennung. Die Reihen werden durch Namen wie Magritte und Dali ergänzt.

Die Krise der Bewegung wurde durch die Zweite verursacht Weltkrieg. Die meisten Künstler wandern in die USA aus. Nach Kriegsende intensivierte der Surrealismus seine Aktivitäten erneut. Die Hauptmeisterschaft gehört Salvador Dali.

In den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts gehörte der Surrealismus der Vergangenheit an und hinterließ uns ein Erbe seiner Prinzipien, die auch heute noch relevant sind. Der Surrealismus unserer Zeit ist tief in die Szenografie und das Design eingedrungen und spiegelt sich in vielen avantgardistischen Kunstbereichen wider.

Der moderne Surrealismus hat sich in hohem Maße verändert. Von ihr bleibt nur noch die äußere Seite – die Phantasmagorie.

Unbewusste Ängste, Komplexe, Fantasien, tiefe Erfahrungen und Ausdruck werden ignoriert. Der Teil des Surrealismus, der ihn so attraktiv, geheimnisvoll und wichtig machte, ist in Vergessenheit geraten.

Der Surrealismus war in der Zwischenkriegszeit eine modische Strömung in der Malerei. Die Bewegung entstand in den 1920er Jahren in Frankreich, von wo aus sie sich über ganz Europa verbreitete und zu einem der einflussreichsten Stile und Bewegungen in der Avantgarde-Kunst wurde.

Der Name leitet sich von der Phrase „Drame surrealiste“ ab, einem Untertitel aus einem Theaterstück des Schriftstellers und Kunstkritikers Guillaume Apollinaire. Der Begriff wurde erstmals in seinem Manifest „New Spirit“ für das Ballett „Parade“ erwähnt. Die gemeinsame Arbeit von P. Picasso, E. Satie, J. Cocteau und L. Massine brachte ein wahres surreales Meisterwerk hervor.

Der Surrealismus entwickelte sich aus der nihilistischen „Anti-Kunst“ des Dadaismus, dessen Vertreter größtenteils Surrealisten wurden. Am meisten ein leuchtendes Beispiel Das Werk von Salvador Dali gilt als Surrealismus.

Ursprünglich lag der Schwerpunkt der Bewegung auf der Literatur, doch bald umfasste der Surrealismus auch Malerei, Bildhauerei und andere Formen der modernen bildenden Kunst. Die Surrealisten versuchten, ein völliges zu schaffen neues Set Bilder durch die Freisetzung der schöpferischen Kräfte des Unterbewusstseins.

Techniken und Philosophie

Künstler haben Methoden zur Herstellung von Fantasiebildern erfunden, in denen Realität und Fiktion, Halluzination und Träume miteinander verflochten sind.

Texturierung

Eine Technik zum Erstellen eines Bildes, indem ein Blatt Papier auf eine unebene oder körnige Oberfläche gelegt wird. Zum Beispiel Holz oder Stein. Das Papier wird mit Bleistift oder Kreide bearbeitet, bis es die Textur des als Untergrund verwendeten Materials annimmt.

Dekakomanie

Eine Kunsttechnik, bei der Farbe auf Papier gespritzt oder mit einem großen Pinsel aufgetragen wird. Obwohl es noch nicht trocken ist, wird es mit einem weiteren Blatt Papier abgedeckt. Durch das Reiben von Oberfläche an Oberfläche gelingt es dem Künstler, ungewöhnliche Bilder zu schaffen.

Schaben

Eine Technik zum Erzeugen spezifischer Effekte, indem eine bemalte Leinwand auf eine strukturierte Oberfläche gelegt und durch Schaben bearbeitet wird. Die Farbe wird teilweise von der Oberfläche entfernt und der lackierte Teil erhält ein ungewöhnliches, strukturiertes Aussehen.

Fumage

In den späten 1930er Jahren wurde eine Kerze unter ein Blatt Papier gestellt, um Rußspuren auf der Oberfläche zu hinterlassen. Kerzen in eine Vielzahl von Fantasiemustern bringen.

Tropfmethode in der Kunst

Die Farbe wird in einzelnen Tropfen, die vom schwingenden Objekt fallen, auf die Leinwand aufgetragen.

Collage

Bei der Collagen-Technik handelt es sich um die Erstellung von Gemälden oder grafischen Leinwänden durch Sammeln einer Handlung verschiedene Teile andere Bilder, Zeitungsausschnitte, Zeitschriften, Zeichnungen, Fotos. Diese Elemente werden nach dem ursprünglichen Plan angeordnet und verklebt und ergeben so eine neue ganzheitliche Komposition.

Zeichnung

Das automatische Zeichnen erfolgt mit einem Stift oder Pinsel: Linien werden ohne einen bestimmten Plan oder Regeln gezeichnet.

Werke im Stil des Surrealismus werden als absurd, ohne Logik und voller Widersprüche bezeichnet. Künstler, die in diesem Stil arbeiteten, lösten eine künstlerische Revolution des Bewusstseins und der Wahrnehmung aus. Sie glaubten, dass nur die Kunst den menschlichen Geist befreien könne.

Entwicklungsgeschichte

Kunstkritiker nennen den Vorläufer des Stils I. Bosch, dessen Werke erstmals Interesse an unwirklichen Bildern, Fantasie und durch die Realität deformierter Kunst zeigten.

Die Geschichte der Stilentwicklung begann in Paris, doch der Surrealismus in der Malerei verbreitete sich schnell in ganz Europa. Von den 20er bis 60er Jahren des 20. Jahrhunderts entwickelte sich der Surrealismus in den USA und drang bis in die 80er Jahre nach Afrika, Asien und Australien vor.

1. « Magnetfelder„A. Breton und F. Soupault.
2. „Surreale Revolution“.
3. „Der Pariser Bauer“ von L. Aragon.

Die Entwicklung des Stils wurde durch wissenschaftliche Forschungen und Theorien von S. Freud beeinflusst. Viele Surrealisten standen der Psychoanalyse skeptisch gegenüber, aber die Theorie beeinflusste die Mehrheit und brachte subtilen Psychologismus, Emotionalität und Tiefe in ihre Arbeit. Als einer der Hauptwerte des Stils gilt: der Wunsch nach Freiheit, Individualität und die Ablehnung von Grenzen in der Entwicklung der Malkunst. Die Werke von Salvador Dali und anderen Malern zeichnen sich durch Irrationalität und eine besondere Ästhetik aus, die nicht jeder versteht.
Die Besonderheit des Stils ist die Symbolik der Bilder.

Die Entwicklung der Regie wurde von den Werken der berühmten Schöpfer O. Redon und G. Moreau beeinflusst. Die zentralen Themen ihrer Arbeiten waren: das menschliche Unterbewusstsein, ironische Bilder Alltagsleben, Erotik, magische, phantasmagorische Bilder.

Eine der spezifischen Methoden zur Schaffung ungewöhnlicher Werke ist die Kreativität unter Einfluss narkotische Substanzen. Die Halluzinationen der Künstler führten zu dem chaotischen Charakter der auf dem Bild dargestellten Szene.

Der Stil entwickelte sich in zwei Richtungen:

Irrational

Ein irrationales, unrealistisches Bild schaffen, das das Unterbewusstsein prägt. Salvador Dali gilt als Vater dieser Bewegung. Es zeichnet sich aus durch: Genauigkeit, Ausdruckskraft von Bildern und Linien, Helligkeit, Fantasien zum Thema der Transformation von Objekten. Salvador Dalis Illusion wirkt dank seiner Arbeit mit Farbe und Perspektive überzeugend. Die Gründlichkeit und Präzision der Technik ermöglichen es, die Gemälde des Malers als akademisch einzustufen. Wenn es um den Surrealismus geht, kommen einem Dalis Werke in den Sinn: Seine Gemälde sind ein Beispiel für die genaueste Übertragung der Hauptideen des Stils.

Unterbewusstsein

Die zweite Richtung steht in engem Zusammenhang mit Versuchen, das Unterbewusstsein auf der Leinwand darzustellen. Die Bilder sind unscharf und verschwinden in der Abstraktion. Vertreter: M. Ernst, A. Mason.

Der Surrealismus basiert auf den individuellen Wahrnehmungen und Assoziationen einer Person. Trotz der Beliebtheit von Gemälden in diesem Stil kann man ihn als den umstrittensten überhaupt bezeichnen. Das Werk von Salvador Dali war und ist das repräsentativste Werk für die Erforschung von Kunstströmungen.

Berühmte Vertreter und ihre Gemälde

Salvador Dalí

Ein spanischer Maler, der in seinen Werken alle Stilideale verkörperte. „Surrealismus bin ich!“ - das hat der Künstler über sich selbst geschrieben. Er war einer der ersten, der sich der von A. Breton organisierten Gruppe surrealistischer Schöpfer anschloss. Nach einiger Zeit wird er aus dieser Gemeinschaft ausgeschlossen, entwickelt aber weiterhin seinen eigenen Stil. Das Spätstadium der Kreativität ist durch den Einfluss der Malerei und des Akademismus der Renaissance geprägt.

Die berühmtesten Gemälde von Salvador Dali: „Honig ist süßer als Blut“, „Schwindel“, „Selbstporträt“, „Geopolitischer Säugling“, „Junge Frau von hinten gesehen“.

Mark Ernst

Einer der Ideologen dieses Stils, deutscher surrealistischer Künstler, Meister der Collage. Die Besonderheit seiner Arbeit liegt in der Fokussierung auf die Collagetechnik und der großen Aufmerksamkeit für die Kreativität der Menschen psychische Störungen, was zu einem der Faktoren in seiner Entwicklung als Surrealist wurde. Werke: „Der Französische Garten“, „Auge der Stille“, „Castor und Pollux“, „Frau, alter Mann und Blume“.

Frida Kahlo

Mexikanischer surrealistischer Künstler. Ihre Werke zeichneten sich durch besonderen semantischen Inhalt, Emotionalität und Helligkeit aus. Feature - Kahlo konzentrierte sich in vielen ihrer Arbeiten auf sich selbst, darunter eine beträchtliche Anzahl von Selbstporträts. Die bekanntesten Werke: „Little Doe“, „Fruits of the Earth“, „Two Fridas“, „What the Water Gave Me“, „Broken Column“.

Yves Tanguy

Französischer Surrealist. Im Laufe seines Lebens wechselte er viele Berufe, verbrachte einige Zeit auf See – auf einem Handelsschiff, was seine Malerei und sein künstlerisches Schaffen beeinflusste. Das Thema der Meeres- und Unterwasserbewohner wurde zum zentralen Thema seiner Arbeit. Tanguys Werke sind erkennbar: Sie zeichnen sich durch etwas Düsterkeit, Romantik, die Verwendung glatter Linien, Bilder von Wolken, Wellen und Rauch aus: „Hand in the Clouds“, „Ribbon of Limits“, „Tomorrow“, „Wind“, „ Reinkarnation“, „Tod einer Familie“.

Er entwickelte die surrealistische Bewegung in Belgien. Er wurde von den Werken der Künstler de Chirico und de Smet beeinflusst. Das zentrale Thema der Arbeiten ist der nackte Körper. Eine Besonderheit seines Schaffens ist die Verwendung von Skelettbildern, beispielsweise im Werk „Kreuzigung“.

Bedeutung für die Entwicklung der Kunst

Stil ist geworden Startpunkt für die Entwicklung des fantastischen Realismus und der visionären Kunst in der Kunst. Heutzutage werden die Merkmale der Arbeit von Salvador Dali und anderen Künstlern von modernen Künstlern übernommen – manchmal sind ihre Werke schwer von den Gemälden der Meister dieses Stils zu unterscheiden. Der Surrealismus wurde kommerzieller als andere Bereiche der Malerei.

Moderne Anhänger haben die phantasmagorische, irrationale Natur von Salvador Dalís Werken übernommen und dabei die Emotionen, die Tiefe, den Psychologismus und die inneren Erfahrungen außer Acht gelassen, die der Künstler mit Hilfe symbolischer Bilder auf die Leinwand vermittelt.

Giorgio de Chirico „Zwei Masken“, 1926 Privatsammlung Allegorie, Surrealismus „Was ich höre, spielt keine Rolle; Was zählt, ist, was ich sehe, besonders wenn ich meine Augen schließe.“ Giorgio de Chirico

Salvador Dali „Porträt von Frau Mary Segall“, 1948 Surrealismus

Leonor Fini „Frau des Surrealismus?“ Leonor Fini wurde 1907 in Buenos Aires geboren. Nach einer Scheidung zog die Mutter der einjährigen Leonor mit ihr nach Italien. Der Vater des Mädchens verfolgt sie, um Leonor zu entführen und nach Argentinien zurückzubringen. Doch ihre Mutter gibt nicht auf und entführt ihre Tochter (ohne die geringste Hilfe der Strafverfolgungsbehörden), woraufhin sie gezwungen wird ...

Salvador Dali „Der große Surrealist“ Am 11. Mai 1904 wurde der weltberühmte Künstler Salvador Dali geboren. Sein zeichnerisches Talent zeigte sich schon in jungen Jahren Schulbücher und an den Rändern seiner Notizbücher zeichnete er oft Karikaturen, um seine kleine Schwester zum Lachen zu bringen. Der Freund der Familie, Ramon Pichot, war ein impressionistischer Künstler. Er bemerkte die Fähigkeiten des Jungen und half ihm, sich in diese Richtung zu entwickeln.

Rene Magritte „Ein Schlag ins Herz“, 1952 Surrealismus Wer eine zarte Rose der Liebe in die Schnittwunden des Herzens pfropfte, lebte nicht umsonst! Und derjenige, der mit seinem Herzen einfühlsam auf Gott hörte, und derjenige, der den Rausch irdischer Freude trank! Omar Khayyam

Salvador Dali „Der Unsichtbare“, 1929-1932 Surrealismus Obwohl Salvador Dali 1929 mit dem Gemälde begann, vollendete er es erst 1932. Dies ist sein erstes Werk, in dem er im Zuge seiner paranoid-kritischen Methode begann, die Doppelbilder darzustellen, die die späteren Werke des Künstlers füllten. Auf dem Gemälde ist die von Dali geschaffene Illusion sofort sichtbar. Es ist ihm nicht gelungen, die Dualität des Bildes hier zu erreichen ...

Rene Magritte „Mann mit Melone“, 1964 Surrealismus Magritte stellte in mehreren seiner Gemälde einen Mann mit Melone dar. Dieses ist vielleicht nicht so bekannt wie Magrittes andere Gemälde, lässt sich aber dennoch leicht als Magritte-Gemälde klassifizieren und erinnert an das bekannte Son of Man (1964). Achten Sie auf die Details des Bildes. Das Gesicht des Mannes ist bedeckt, als wäre eine Taube eingeflogen...

Salvador Dali „Die ersten Tage des Frühlings“, 1929 Salvador Dali Museum, St. Petersburg Surrealismus 1929, nachdem Dali sich dem Surrealismus angeschlossen hatte, malte er „Die ersten Tage des Frühlings“, „ein echtes erotisches Delirium“, wie der Künstler es selbst nennt Malerei. Der Schriftsteller Robert Desnos sagte, dass „das etwas noch nie Dagewesenes ist“ und dass er, wenn er sich in einer anderen finanziellen Situation befände, gerne … kaufen würde.

Joan Miró „Der Bauernhof“. 1921-1922 National Gallery of Art, USA Surrealismus Obwohl der Künstler in Barcelona geboren wurde, war er immer mit der ländlichen Welt verbunden, insbesondere mit der Stadt Mont Roig del Camp. Bereits in seinen frühen Werken ist der Einfluss von Landschaften erkennbar. Das Gemälde wurde für fünftausend französische Francs an Hemingway verkauft. Hemingway schrieb 1934 in der Zeitschrift Cahiers d'Art: „Ich werde The Farm nicht ändern ...“

Richtung

Der Surrealismus (von französisch surréalisme, wörtlich „Superrealismus“, „Überrealismus“) ist eine Strömung in Literatur und Kunst des 20. Jahrhunderts, die in den 1920er Jahren entstand. Gekennzeichnet durch die Verwendung von Anspielungen und paradoxen Formenkombinationen.

Als Begründer des Surrealismus gilt der Schriftsteller und Dichter Andre Breton, der Autor des ersten Manifests des Surrealismus (1924). Guillaume Apollinaires Theaterstück Les mamelles de Tirésias aus dem Jahr 1917, ein surrealistisches Drama in zwei Akten mit Prolog, führte das Konzept des Surrealismus ein. Berühmte Schriftsteller des Surrealismus sind auch Paul Eluard und Louis Aragon. Herausragende Meister des Surrealismus in der Malerei waren Salvador Dali, Rene Magritte, Joan Miró und Max Ernst. Als prominenteste Vertreter des Surrealismus im Kino gelten Jean Cocteau, Luis Buñuel, David Lynch und Jan Svankmajer [Quelle nicht angegeben 117 Tage]. Der Surrealismus in der Fotografie erlangte durch die Arbeit von Philippe Halsman Anerkennung.

Das Hauptkonzept des Surrealismus, Surrealität, ist die Kombination von Traum und Realität. Um dies zu erreichen, schlugen die Surrealisten eine absurde, widersprüchliche Kombination naturalistischer Bilder durch Collage und „fertige“ Technologie vor. Die Surrealisten ließen sich von der radikalen linken Ideologie inspirieren, schlugen jedoch vor, die Revolution mit ihrem eigenen Bewusstsein zu beginnen. Sie betrachteten die Kunst als das wichtigste Instrument der Befreiung.

Diese Richtung entwickelte sich unter dem großen Einfluss von Freuds Theorie der Psychoanalyse (allerdings waren nicht alle Surrealisten von der Psychoanalyse begeistert, beispielsweise René Magritte stand ihr sehr skeptisch gegenüber). Das Hauptziel der Surrealisten war die spirituelle Erhebung und die Trennung des Geistes vom Materiellen. Einer der wichtigsten Werte war Freiheit sowie Irrationalität.

Die Surrealisten verrichteten ihre Arbeit ohne Rücksicht auf rationale Ästhetik und verwendeten phantasmagorische Formen. Sie arbeiteten mit Themen wie Erotik, Ironie, Magie und dem Unterbewusstsein.

Oftmals übten Surrealisten ihre Arbeit unter dem Einfluss von Hypnose, Alkohol, Drogen oder Hunger aus, um in die Tiefen ihres Unterbewusstseins vorzudringen. Sie proklamierten die unkontrollierte Entstehung von Texten – das automatische Schreiben. Eine der Techniken des Surrealismus wurde von Wolfgang Paalen (Fumage) erfunden.

Allerdings wich die chaotische Natur der Bilder manchmal ihrer größeren Nachdenklichkeit, und die Surrealität wurde nicht nur zum Selbstzweck, sondern zu einer bewussten Methode, Ideen auszudrücken, die darauf abzielen, alltägliche Vorstellungen zu durchbrechen (ein Beispiel hierfür sind die ausgereiften Werke der Klassiker des Surrealismus, René Magritte). Diese Situation ist im Kino deutlich sichtbar, das die Traditionen des Surrealismus fortsetzte, die im Laufe der Zeit in Malerei und Literatur ihre Frische verloren. Beispiele sind Gemälde von Luis Buñuel, David Lynch und Jan Svankmajer. Ein interessantes Beispiel Surrealismus sind die Experimentalfilme des Regisseurs Mathieu Seiler.

Im Frühjahr 1917 prägte Guillaume Apollinaire den Begriff „Surrealismus“ und verwendete ihn erstmals in seinem Manifest „The New Spirit“, das für das skandalöse Ballett „Parade“ geschrieben wurde. Dieses Ballett war ein gemeinsames Werk des Komponisten Erik Satie, des Künstlers Pablo Picasso, des Drehbuchautors Jean Cocteau und der Choreografin Leonide Massine: „In dieser neuen Verbindung entstehen nun Bühnenbilder und Kostüme einerseits und Choreografie andererseits es kommt zu keinen fiktiven Überlagerungen. In Parade als einer Form des Superrealismus (Surrealismus) sehe ich den Ausgangspunkt für eine ganze Reihe neuer Errungenschaften dieses Neuen Geistes.

Obwohl das Zentrum des Surrealismus Paris war, verbreitete er sich von den 1920er bis 1960er Jahren in ganz Europa, im Norden und im Norden Südamerika(einschließlich der Karibik), Afrika, Asien und in den 80er Jahren Australien.

Der bedeutendste Beitrag zum Goldenen Zeitalter des Surrealismus ist das erste Manifest des Surrealismus aus dem Jahr 1924, das von André Breton verfasst wurde. Fünf Jahre zuvor schrieben Breton und Philippe Soupault den ersten „automatischen“ Text, das Buch „Magnetic Fields“. Im Dezember 1924 begann die Veröffentlichung von The Surrealist Revolution, herausgegeben von Pierre Naville, Benjamin Péret und später Breton. Darüber hinaus nahm das Bureau of Surrealist Research seine Arbeit in Paris auf. Im Jahr 1926 schrieb Louis Aragon das Buch „Der Pariser Bauer“. Viele der populären Künstler im Paris der 20er und 30er Jahre waren Surrealisten, darunter auch