Das Ende des 15. Jahrhunderts entstandene Gemälde von Hieronymus Bosch offenbart dem Betrachter die Inszenierung der Begegnung zwischen Jesus Christus und Pontius Pilatus angesichts einer tobenden Menschenmenge. Jesus wird durch die Peitschenhiebe ausgemergelt und verstümmelt dargestellt, ebenso wie […]

Das Gemälde „Die Himmelfahrt der Gerechten“ („Aufstieg ins Himmelreich“) des niederländischen Malers Hieronymus Bosch wurde vermutlich in den Jahren 1500–1504 in Öl auf Holz gemalt. Genre: religiöse Malerei. Wahrscheinlich war „Die Himmelfahrt der Gerechten“ Teil des Polyptychons „Die Seligen und die Verdammten“. […]

Dieses Gemälde wurde von einem Künstler aus den Niederlanden geschaffen. Der Titel ist ziemlich einfach: „Tod eines Geizhalses“. Das Hauptmerkmal des Bildes ist die Art der Platzierung des Bildes im Raum. Das Gemälde ist in der Vertikalen stark gestreckt, wodurch der Eindruck einer Altargestaltung entsteht. […]

Hieronymus Bosch, Sohn erblicher Künstler, stammte aus Deutschland. Bosch ist ein Pseudonym, das vom Namen der Stadt 's-Hertogenbosch (übersetzt als Herzogswald) stammt. Die Werkstatt seiner Eltern beschäftigte sich mit Wandmalerei, Vergoldung von Skulpturen und der Herstellung verschiedener […]

Leider ist das Gemälde „Der Zauberer“ des flämischen Künstlers Hieronymus Bosch nicht erhalten. Heute kann man von diesem Werk nur noch Kopien bewundern. Als das genaueste davon gilt das Werk, das im Museum der Stadt Saint-Germain-en-Laye aufbewahrt wird. Datum des Schreibens […]

Zur Zeit des Niedergangs der Renaissance und der Blütezeit der Inquisition war die Gesellschaft voller beunruhigender Vorurteile und Aberglauben. Die Künstler, die in diesen rebellischen Zeiten arbeiteten, versuchten ihr Bestes, um das Weltbild zu klären. Hieronymus Bosch schreibt ab 1500 […]

„Die Gewinnung des Steins der Torheit“ ist eines der frühesten bis heute erhaltenen Werke Boschs. Auf den ersten Blick, von allgemeine Zusammensetzung und dem Titel des Gemäldes wird sofort der Hauptzweck des Gemäldes klar – das Motiv [...]

Der Künstler Hieronymus Bosch hinterließ in den Sujets seiner Gemälde stets Rätsel und Denkanstöße. Mit dem Pinsel malte er nicht nur meisterhaft wunderschöne Bilder, sondern legte auch tiefe […]

Hieronymus Bosch ist ein mittelalterlicher Künstler, der vor allem aufgrund seiner apokalyptischen Ideen bis heute in Mode ist. Fragmente seines Werks „Der Garten der Lüste“ sind mittlerweile sogar auf Leggings und in Malbüchern für Kinder zu sehen, und zwar in einer modernen Musikgruppe. Warum?

Etwas fanatisch, wenn man es so nennen kann, waren die Gemälde des Künstlers aus dem Spätmittelalter wegen ihrer albtraumhaften Details beliebt: ein Mann, der eine Flöte spielt, die aus seinem Anus ragt und dabei Gase freisetzt, oder ein Vogelmonster, das Sünder verschlingt und sie in einer Grube entleert von Abwasser usw. ... König Philipp II. von Spanien, Patron der Inquisition, hängte eines von Boschs Gemälden („Die sieben Todsünden“) in seinem Schlafzimmer auf. Vielleicht hat sie ihm geholfen, besser für den Kampf gegen die Ketzer gerüstet zu sein.

Am meisten berühmtes Bild Bosch - Triptychon „Der Garten der Lüste“. Auf der linken Seite des Triptychons sind Gott, Adam und Eva im Paradies dargestellt, auf der Mittelseite: der Garten der Vergnügungen selbst, auf der rechten Seite: Erniedrigung, Sünder, Hölle.

Obwohl die Handlung dieses Bildes auf den ersten Blick alles andere als kindisch erscheint, ist aus seinen Fragmenten ein Malbuch für Kinder ab 6 Jahren entstanden. „Malbuch Hieronymus Bosch“ führt Kinder in die atemberaubenden Landschaften, fantastischen Früchte und Blumen und fabelhaften Tiere ein, die Bosch gemalt hat. Nach Angaben des Autors wurde das Malbuch veröffentlicht, um Kinder bei ihrer kreativen Entwicklung zu unterstützen und sie zu inspirieren, in Zukunft eigene Kunstwerke zu schaffen.

Ebenfalls 1991 veröffentlicht Belletristikbuch„Pish Posh, Said Hieronymus Bosch“ („Pah, pah, sagte Hieronymus Bosch“). Die Handlung des Buches ist die Geschichte von Boschs verärgerter Haushälterin, die bereits genug von dem Chaos hat, das seine wilden Monster (geflügelte Fische und dergleichen) im Haus anrichten.

Diese beiden Produkte zeigen, dass, obwohl Hieronymus Bosch vor 500 Jahren starb, die Bilder aus seinem Werk und seiner Vision beliebter denn je zu sein scheinen. Es kamen ungefähr alle seine Bilder heraus Ein neues Buch vom weltberühmten TASCHEN-Verlag. Im Jahr 2007 wurde in Boschs Heimatstadt ’s-Hertogenbosch ein seinem Werk gewidmetes Kunstzentrum eröffnet. Drucke seiner Gemälde zieren Schuhe, T-Shirts und Sweatshirts, Surfbretter und Skateboards von Doc Martens. Warum passiert das?

Bosch war zu seinen Lebzeiten sehr beliebt. Es hat so viele Nachahmer inspiriert, dass es manchmal schwierig ist, seinen Ursprung genau zu bestimmen. Doch seitdem ist so viel Zeit vergangen: die Zeit der Gegenreformation, der Barockstil...

„Die katholische Kirche behauptet sich wieder und möchte die Kirche, das Heil und die Heiligen betonen, worauf sich Bosch nicht genau konzentrierte“, sagte Larry Silver, Professor für Kunstgeschichte an der Pennsylvania State University, am Telefon. „Nehmen Sie Rubens. Es konnte einfach nicht sein, dass sowohl Bosch als auch Rubens gleichzeitig gefragt waren. Dies war einer der Umstände, die seiner damaligen Popularität sozusagen ein Ende setzten Wenden Sie sich vom Pessimismus zur positiven Seite.“

Dieser Zustand hielt bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts an. Kunsthistoriker wie Carl Justi zeigten wenig Interesse an Boschs Gemälden, im Gegensatz zu den Begründern und Theoretikern des Surrealismus wie André Breton, der eine neue Welle des Interesses an den Gemälden von Hieronymus Bosch auslöste. Surrealisten und Liebhaber des Surrealismus schätzten seine Fantasie und seine „unbewusste Malerei“. Sie waren begeistert von seinen Ideen gegen die organisierte Religion und die bürgerliche Moral.

Böhmisches Vergnügen dieser Art war in den Geschichten über Hieronymus allgegenwärtig. Es gibt eine erstmals 1947 von Wilhelm Franger aufgestellte These, dass Bosch Mitglied einer Sekte namens „Brüder des Freien Geistes“ war. In dieser Interpretation zeigt der zentrale Teil des Gartens nicht eine Welt, die in die Sündhaftigkeit abgleitet, sondern den Genuss der sexuellen tantrischen Freuden der freien Liebe, der Harmonie mit der Natur. Es gibt auch eine interessante Erwähnung des Gartens der Lüste im Buch „The Da Vinci Code“ in Kapitel 37.

Es gibt auch eine Version, die nicht weniger populär ist als die über den Sexkult, dass Bosch schlechte Trips hatte, weil er Schimmel gegessen hatte Roggenbrot. Laut dem Autor Walter Bosing wirkte es für Bosch „wie ein Wundermittel, das dazu beitrug, den Mangel an Bildung und Wissenschaft in der Hochschulbildung auszugleichen“. Bildungsinstitutionen und zur Schaffung von Gemälden beizutragen, die den sensationellen Appetit der Betrachter befriedigen.“ Das nächste amüsante Beispiel ist der Philosoph und Publizist der 60er Jahre Norman Oliver Brown, der Freuds Theorien der Analerotik mit Martin Luthers Lehre von der Rechtfertigung durch den Glauben verband und sein Werk mit dem Garten der Lüste illustrierte.

Solche Interpretationen entsprechen modernen Stereotypen über die psychedelischen Gemälde eines Künstlers mit einer gestörten Psyche, aber für moderne Experten sind sie nichts weiter als Witze; Bosing nennt sie „wissenschaftlichen Unsinn“. Man geht eher davon aus, dass Bosch einfach ein Künstler war, der völlig außerhalb seiner Zeit war, und nicht ein verrückter Drogenabhängiger, der sektiererischen Orgien beiwohnte und diese nach der Einnahme von LSD malte.

Wie auch immer, Bosch ist heute eine Muse für einige der wichtigsten Schöpfer. Regisseur Guillermo del Toro („Pans Labyrinth“, „Pacific Rim“, „Crimson Peak …“) nennt Bosch als Inspiration für seine berühmten surrealistischen Bilder. Der verstorbene Alexander McQueen verwendete Stoffe, die mit Jeromes Gemälden bedruckt waren, um seine letzte Kollektion zu kreieren. Bestsellerautor Michael Connelly benannte die Hauptfigur seines Krimi-Bestsellers nach dem Maler. Über seinem Schreibtisch hängt eine Kopie von Boschs „Inferno“.

Seine derzeitige Popularität beruht auf der Tatsache, dass Moderne Menschen seine Ideen sind nah und interessant. Heute gehören Filme über die Apokalypse zu den erfolgreichsten Filmen. Unter gewöhnliche Menschen Kunstliebhaber und Künstler erfreuen sich nicht nur wegen Jeromes Gemälden großer Beliebtheit, sondern auch wegen seines Stils im Allgemeinen, seiner einzigartigen Herangehensweise an die Kunst. Die Gemälde von Hieronymus Bosch ziehen sowohl unsere Landsleute als auch ausländische Betrachter gleichermaßen an. Bosch war eine sehr interessante Person. Seine Bilder sind sehr vielschichtig und vieldeutig; sie können auf unterschiedliche Weise verstanden werden. Daher kann es sein, dass sein Werk nicht so schnell an Aktualität verliert und noch sehr lange nach uns weiterlebt.

Das Triptychon „Der Garten der Lüste“ ist in Öl auf Holz gefertigt, etwa 1500 – 1510. Seine Größe: 389 cm. Das Gemälde befindet sich im Nationalen Prado-Museum in Madrid.

Das Gemälde „Narrenschiff“ wurde um 1495 – 1500 in Öl auf Holz gemalt. Seine Größe: 33 cm. 58 cm. Das Gemälde befindet sich im Louvre in Paris.

Das Gemälde „Die Kreuztragung“ (Gent) wurde um 1490 – 1500 in Öl auf Holz gemalt. Seine Größe: 83,5 cm. Das Gemälde befindet sich im Museum der Schönen Künste, Gent.

Das Gemälde „Die Kreuztragung“ (Wien) entstand um 1515 – 1516 in Öl auf Holz. Seine Größe: 32 cm. Das Gemälde befindet sich im Kunsthistorischen Museum in Wien.

„Die Kreuztragung“ (Madrid) – Seitenteil eines nicht erhaltenen Triptychons, ausgeführt in Öl auf Holz, um 1505. Seine Größe: 94 cm. Das Gemälde ist in königlicher Palast, in Madrid.

Das Triptychon „Die Versuchung des heiligen Antonius“ ist in Öl auf Holz gefertigt, etwa 1505 – 1506. Seine Größe: 225 cm. 131,5 cm. Das Gemälde befindet sich im Nationalmuseum für antike Kunst in Lissabon.

Die Tafel „Die Versuchung des Heiligen Antonius“ wurde frühestens 1490 in Öl auf Holz angefertigt. Seine Größe: 52,5 cm. Befindet sich im Prado-Nationalmuseum.

Der verlorene Sohn ist ein Öl-auf-Tafel-Gemälde aus der Zeit um 1510. Sein Durchmesser: 70 cm. Das Gemälde befindet sich im Boijmans van Beuningen Museum, Rotterdam.

Das Gemälde „Die sieben Todsünden und die vier letzten Dinge“ wurde um 1475–1480 in Öl auf Holz gemalt. Seine Größe: 150 cm x 120 cm. Das Gemälde befindet sich im Prado-Nationalmuseum in Madrid.

Das Gemälde „Heiliger Christophorus“ entstand um 1504–1505 in Öl auf Holz. Seine Größe: 71,5 cm x 113 cm. Das Gemälde befindet sich im Boijmans van Beuningen Museum in Rotterdam.

Triptychon " Jüngstes Gericht„Hergestellt in Öl auf Holz, um 1504. Seine Größe: 247 cm. Das Gemälde befindet sich in der Akademie Bildende Kunst, in Wien.

Das Gemälde „Die Dornenkrönung“ (London) ist ein Öl-auf-Tafel-Gemälde, ca. 1508–1509. Seine Größe: 59 cm x 73 cm. Das Gemälde befindet sich in der National Gallery, London.

Das Gemälde „Die Dornenkrönung“ (Escorial) ist ein Öl-auf-Tafel-Gemälde aus der Zeit um 1510. Seine Größe: 195 cm x 165 cm. Das Gemälde befindet sich im Kloster Escorial in der Stadt San Lorenzo de El Escorial in Spanien.

Das Triptychon „Heuwagen“ ist in Öl auf Holz gefertigt, etwa 1500 – 1502. Seine Größe: 190 cm. Das Gemälde existiert in zwei Exemplaren. Eines befindet sich im Prado-Nationalmuseum in Madrid. Die zweite befindet sich im Kloster El Escorial in der Stadt San Lorenzo de El Escorial in Spanien.

Das Gemälde „Extraktion des Steins der Torheit“ ist in Öl auf Holz gemalt und entstand etwa zwischen 1475 und 1480. Seine Größe: 35 cm x 48 cm. Das Gemälde befindet sich im Prado-Nationalmuseum in Madrid.

Das Triptychon „Anbetung der Könige“ ist Öl auf Holz, um 1510. Seine Größe: 138 cm. Das Gemälde befindet sich im Nationalen Prado-Museum in Madrid.

Hieronymus Bosch ist der geheimnisvollste Künstler aller Zeiten. Noch immer versucht man, seine Bilder zu entschlüsseln. Doch näher kommen wir ihrer Komplettlösung nicht, da Bosch mehrere Sprachen beherrschte. In der Sprache der religiösen Symbolik. In der Sprache der Alchemisten. Und auch in der Sprache niederländischer Sprichwörter. Und sogar Astrologie.

Es ist schwer, nicht verwirrt zu werden. Aber dadurch wird das Interesse an Bosch nie versiegen. Hier sind nur einige seiner Meisterwerke, die durch ihr Geheimnis bestechen.

1. Garten der irdischen Freuden. 1505-1510

Hieronymus Bosch. Garten der irdischen Freuden. 1505-1510 Prado-Museum, Madrid. Wikimedia.commons.org

„Der Garten der Lüste“ ist Boschs berühmtestes Werk. Man kann es stundenlang betrachten. Aber du verstehst immer noch nichts. Warum all diese nackten Menschen? Riesige Beeren? Lust auf Springbrunnen? Ausgefallene Monster?

Kurzgesagt. Auf dem linken Flügel ist das Paradies dargestellt. Gott hat gerade Adam und Eva erschaffen. Aber Boschs Paradies ist nicht so himmlisch. Auch hier sehen wir das Böse. Die Katze trägt eine Maus im Gebiss. Und in der Nähe pickt ein Vogel einen Frosch.

Warum? Tiere können Böses tun. Das ist ihre Art zu überleben. Aber für einen Menschen ist das eine Sünde.

Hieronymus Bosch. Garten der irdischen Freuden. Fragment des linken Flügels des Triptychons. 1505-1510 Prado-Museum, Madrid

Im Mittelteil des Triptychons führen viele nackte Menschen einen müßigen Lebensstil. Sie kümmern sich nur um irdische Freuden, deren Symbole riesige Beeren und Vögel sind.

Die Menschen ergehen der Sünde der Wollust. Aber bedingt. Wir verstehen dies durch Symbole. Sie werden keine explizite Erotik finden. Nur ein Paar sieht nicht sehr anständig aus. Versuchen Sie, sie zu finden.

Wenn es nicht klappt, sehen Sie es im Artikel in Nahaufnahme.

Wussten Sie, dass dort eine Kopie des Mittelteils des berühmten Triptychons aufbewahrt wird? 50 Jahre später von einem Bosch-Anhänger gegründet. Die Posen und Gesten sind gleich. Nur Menschen im Stil des Manierismus. Mit wunderschönen Oberkörpern und trägen Gesichtern.

Boschs Charaktere sind flacher und blutleerer. Wie Leerzeichen, Leerzeichen von Menschen. Warum echten Menschen schreiben, wenn ihr Leben leer und ziellos ist?

Oben: Anhänger von Bosch. Garten der irdischen Freuden. Fragment. 1556-1568 , Sankt Petersburg. Unten: Hieronymus Bosch. Der zentrale Teil des Triptychons. 1505-1510 Prado-Museum, Madrid

Auf dem rechten Flügel sehen wir die Hölle. Hier sind diejenigen, die müßige Musik oder Völlerei liebten. Spieler und Trunkenbolde. Stolz und geizig.

Aber hier gibt es nicht weniger Geheimnisse. Warum treffen wir Eva hier? Sie sitzt unter dem Stuhl des vogelköpfigen Monsters. Welche Notizen sind auf der Rückseite eines der Sünder abgebildet? Und warum landeten arme Musiker in der Hölle?

2. Narrenschiff. 1495-1500

Hieronymus Bosch. Narrenschiff. 1495-1500 . Wikimedia.commons.org

Gemälde „Narrenschiff“. Warum versenden? Eine gängige Metapher zu Boschs Zeiten. Das haben sie über die Kirche gesagt. Sie muss ihre Gemeindemitglieder durch weltliche Eitelkeit zur spirituellen Reinheit „tragen“.

Doch mit Boschs Schiff stimmt etwas nicht. Seine Passagiere frönen dem leeren Spaß. Sie heulen und trinken. Sowohl Mönche als auch Laien. Sie bemerken nicht einmal, dass ihr Schiff nirgendwo mehr fährt. Und vor so langer Zeit, dass ein Baum durch den Boden wuchs.

Achten Sie auf den Narren. Ein Narr von Beruf verhält sich ernster als andere. Er wendet sich von den Spaßenden ab und trinkt sein Kompott. Ohne ihn gibt es schon genug Narren auf diesem Schiff.

„Narrenschiff“ ist der obere Teil des rechten Flügels des Triptychons. Der untere wird in einem anderen Land gespeichert. Darauf sehen wir das Ufer. Die Badegäste zogen ihre Kleidung aus und umringten das Weinfass.

Zwei von ihnen schwammen zum Narrenschiff. Schauen Sie, einer von ihnen hat die gleiche Schüssel wie der Badegast neben dem Fass.

Hieronymus Bosch. Allegorie der Völlerei und Lust. 1500 Yale University Art Gallery, New Haven, USA.

3. Versuchung des Heiligen Antonius. 1505-1506

Bosch liebte es, den Heiligen Antonius darzustellen. Im Jahr 2016 wurde ein weiteres Gemälde dieses Heiligen als Werk von Bosch anerkannt.

Ja, die kleinen Monster sehen aus wie die von Bosch. An ihnen ist nichts auszusetzen. Aber es gibt mehr als genug Metaphorik. Und ein Trichter mit Beinen. Und eine schaufelförmige Nase. Und der Fisch läuft.

Hieronymus Bosch. Versuchung des Heiligen Antonius. 1500-1510 Nelson-Atkins-Museum, Kansas City, USA. Wikimedia.commons.org

4. Verlorener Sohn. 1500

Hieronymus Bosch. Verlorene Sohn. 1500 Boijmans-Van Beuningen Museum, Rotterdam, Niederlande. Wikimedia.commons.org

Im Gemälde „Verlorener Sohn“ gibt es statt einer großen Anzahl von Charakteren nur einen Protagonist. Reisender.

Er ist vom Leben ziemlich gebeutelt. Aber er hat Hoffnung. Er verlässt die Welt der Verderbtheit und Sünde und möchte nach Hause zu seinem Vater zurückkehren. In die Welt des gerechten Lebens und der spirituellen Gnade.

Er blickt zurück auf das Haus, das Sinnbild für einen ausschweifenden Lebensstil ist. Taverne oder Gasthaus. Ein provisorischer Unterschlupf voller primitiver Vergnügungen.

Das Dach ist undicht. Der Verschluss ist verzogen. Gleich um die Ecke erleichtert ein Besucher seine Notdurft. Und zwei vergnügen sich im Türrahmen. All dies symbolisiert spirituellen Verfall.

Hieronymus Bosch. Verlorene Sohn. Fragment. 1500 Boijmans-Van Beuningen Museum, Rotterdam, Niederlande

Aber unser Reisender ist bereits aufgewacht. Ihm wurde klar, dass er gehen musste. Eine Frau schaut ihn vom Fenster aus an. Sie versteht sein Handeln nicht. Oder er ist eifersüchtig. Sie hat weder die Kraft noch die Möglichkeit, diese „undichte“, erbärmliche Welt zu verlassen.

Der verlorene Sohn ähnelt einem anderen Reisenden, der auf den verschlossenen Türen des Triptychons „Voz Seine“ dargestellt ist.

Hieronymus Bosch. Wanderer. Geschlossene Türen des Triptychons „Voz Seine“. 1516 Prado-Museum, Madrid

Die Bedeutung hier ist ähnlich. Wir sind Reisende. Auf unserer Reise gibt es viel, worüber wir uns freuen können. Aber es gibt auch viele Gefahren. Wohin gehen wir? Und kommen wir irgendwohin? Oder werden wir so umherwandern, bis uns der Tod auf der Straße überholt?

5. Das Tragen des Kreuzes 1515-1516

Hieronymus Bosch. Das Kreuz tragen. 1515-1516 Museum der Schönen Künste, Gent, Belgien. Wga.hu

Unerwartete Arbeit für Bosch. Statt ferner Horizonte und vieler Charaktere gibt es eine sehr enge Annäherung. Nur Vordergrund. Die Gesichter sind so nah bei uns, dass wir sogar klaustrophobisch werden können.

Es gibt keine Monster mehr. Die Menschen selbst sind hässlich. Alle ihre Laster sind in ihren Gesichtern sichtbar. Freue dich. Einen anderen verurteilen. Geistige Taubheit. Aggression.

Beachten Sie, dass nur drei Charaktere normale Eigenschaften haben. Der reuige Dieb ist in der oberen rechten Ecke. Christus selbst. Und unten links ist die heilige Veronika.

Hieronymus Bosch. Das Kreuz tragen. Fragment. 1515-1516 Museum der Schönen Künste, Gent, Belgien. Wikipedia.org

Sie schlossen ihre Augen und entsagten dieser Welt, die von einer schreienden und wütenden Menge erfüllt ist. Nur der Dieb und Christus gehen nach rechts, dem Tod entgegen. Und Veronica – nach links, dem Leben entgegen.

Das Bild Christi erschien auf Veronikas Schal. Er schaut uns an. Mit traurigen, ruhigen Augen. Was will er uns sagen? Haben wir uns in dieser Menge wiedererkannt? Sind wir bereit, menschlich zu werden, befreit von Aggression und Verurteilung?

Bosch war ein Künstler. Ja, er war ein Zeitgenosse von Leonardo da Vinci und Michelangelo.

Daher ist seine Hauptfigur ein Mensch. Er betrachtete es aus allen Blickwinkeln. Und zwar aus der Ferne. Wie in „Der Garten der Lüste“. Und ganz nah dran. Wie in „Das Kreuz tragen“.

Sein Urteil ist enttäuschend. Die Menschen stecken in Lastern fest. Aber es gibt Hoffnung. Wir hoffen, dass jeder von uns einen Weg zur Erlösung findet. Die Hauptsache ist, sich selbst rechtzeitig von außen zu betrachten.

In Kontakt mit

Bosch, Bosch Hieronymus [eigentlich Hieronymus van Aeken] (ca. 1450/60–1516), großer niederländischer Maler. Er arbeitete hauptsächlich in 's-Hertogenbosch in Nordflandern. Einer der meisten helle Meister frühe nördliche Renaissance

Hieronymus Bosch verband in seinen vielfigurigen Kompositionen und Gemälden zu den Themen Volkssprüche, Sprichwörter und Gleichnisse anspruchsvolle mittelalterliche Fantasie, groteske dämonische Bilder einer grenzenlosen Fantasie mit realistischen Innovationen, die für die Kunst seiner Zeit ungewöhnlich waren.
Boschs Stil ist einzigartig und hat keine Entsprechungen in der niederländischen Maltradition.
Das Werk von Hieronymus Bosch ist zugleich innovativ und traditionell, naiv und anspruchsvoll; Es fasziniert die Menschen mit dem Gefühl einer Art Mysterium, das einem Künstler bekannt ist. „Hervorragender Meister“ – so wurde Bosch in 's-Hertogenbosch genannt, dem der Künstler bis an sein Lebensende treu blieb, obwohl sein lebenslanger Ruhm weit über die Grenzen seiner Heimatstadt hinausreichte.

Es wird angenommen, dass es sich um ein Frühwerk von Bosch handelt: zwischen 1475 und 1480. Die Sieben Todsünden befanden sich um 1520 in De Guevaras Sammlung in Brüssel und wurden 1670 von Philipp II. von Spanien erworben. Das Gemälde „Die sieben Todsünden“ hing in den Privatgemächern von König Philipp II. von Spanien und half ihm offenbar bei der gewaltsamen Verfolgung von Ketzern.

Eine Komposition aus symmetrisch angeordneten Kreisen und zwei sich entfaltenden Schriftrollen, in denen Zitate aus dem Deuteronomium mit tiefem Pessimismus über das Schicksal der Menschheit prophezeien. In den Kreisen sind Boschs erste Darstellung der Hölle und die einzigartige Interpretation des himmlischen Paradieses zu sehen. Die sieben Todsünden werden in Segmenten des allsehenden Auges Gottes im Zentrum der Komposition dargestellt und auf eine deutlich moralisierende Weise dargestellt.

Dieses Werk gehört zu den klarsten und moralisierendsten Werken Boschs und ist mit ausführlichen Zitaten aus dem Deuteronomium ausgestattet, die die Bedeutung des Dargestellten erläutern. Die auf den flatternden Schriftrollen eingravierten Worte: „Denn sie sind ein Volk, das den Verstand verloren hat und keinen Sinn in ihnen hat.“ Und „Ich werde mein Gesicht vor ihnen verbergen und sehen, wie ihr Ende sein wird“- Definieren Sie das Thema dieser bildlichen Prophezeiung.

„Ship of Fools“ ist ohne Zweifel eine Satire
Auf dem Gemälde „Narrenschiff“ vergnügen sich ein Mönch und zwei Nonnen schamlos mit Bauern in einem Boot, dessen Steuermann ein Narr ist. Vielleicht ist dies eine Parodie auf das Schiff der Kirche, das Seelen zur ewigen Erlösung führt, oder vielleicht ein Vorwurf der Wollust und Maßlosigkeit gegen den Klerus.

Die Passagiere des fantastischen Schiffes, das in das „Land der Dummheit“ segelt, verkörpern menschliche Laster. Die groteske Hässlichkeit der Helden verkörpert der Autor in leuchtenden Farben. Bosch ist sowohl real als auch symbolisch. Die vom Künstler geschaffene Welt ist an sich schön, aber in ihr herrschen Dummheit und Böses.

Die meisten Themen in Boschs Gemälden sind mit Episoden aus dem Leben Christi oder Heiligen verbunden, die sich dem Laster widersetzen, oder sind Allegorien und Sprichwörtern über menschliche Gier und Dummheit entnommen.

Heiliger Antonius 1500er. Prado-Museum, Madrid.

Das Leben des Heiligen Antonius, geschrieben von Athanasius dem Großen, erzählt dies im Jahr 271 n. Chr. Noch in jungen Jahren zog sich Antonius in die Wüste zurück, um als Asket zu leben. Er lebte 105 Jahre (ca. 251 - 356).

Bosch schilderte die „irdische“ Versuchung des Heiligen Antonius, als der Teufel ihn von der Meditation ablenkte und ihn mit irdischen Gütern in Versuchung führte.
Sein runder Rücken, eine geschlossene Pose mit ineinander verschlungenen Fingern, zeugt von einem extremen Grad des Eintauchens in die Meditation.
Sogar der Teufel in Form eines Schweins stand ruhig neben Anthony, wie ein gezähmter Hund. Sieht der Heilige in Boschs Gemälde also die Monster, die ihn umgeben, oder nicht?
Sie sind nur für uns Sünder sichtbar, z „Was wir betrachten, ist das, was wir sind.“

Boschs Darstellung des inneren Konflikts eines Menschen, der über die Natur des Bösen nachdenkt, über das Beste und das Schlimmste, über das Gewünschte und das Verbotene, ergab ein sehr genaues Bild des Lasters. Antonius widersteht mit seiner Kraft, die er durch die Gnade Gottes erhält, einer Flut bösartiger Visionen. Aber kann ein gewöhnlicher Sterblicher all dem widerstehen?

Im Gemälde „Der verlorene Sohn“ interpretierte Hieronymus Bosch seine Vorstellungen vom Leben
Der Held des Bildes – dürr, in einem zerrissenen Kleid und unpassenden Schuhen, verwelkt und wie auf einem Flugzeug flachgedrückt – wird in einer seltsam gestoppten und doch anhaltenden Bewegung dargestellt.
Es ist fast dem Leben nachempfunden – ein solches Armutsbild kannte die europäische Kunst jedenfalls vor Bosch nicht –, aber in der trockenen Auszehrung seiner Formen steckt etwas von einem Insekt.
Dies ist das Leben, das ein Mensch führt, mit dem er, auch wenn er es verlässt, verbunden ist. Nur die Natur bleibt rein, endlos. Die matte Farbe des Gemäldes bringt Boschs Gedanken zum Ausdruck – graue, fast Grisaille-Töne vereinen Mensch und Natur. Diese Einheit ist natürlich und natürlich
.
Bosch zeigt auf dem Bild Jesus Christus inmitten einer tobenden Menschenmenge, die den Raum um ihn herum dicht mit wütenden, triumphierenden Gesichtern füllt.
Für Bosch ist das Bild Christi die Verkörperung grenzenloser Barmherzigkeit, geistiger Reinheit, Geduld und Einfachheit. Er ist dagegen mächtige Kräfte teuflisch. Sie unterwerfen ihn schrecklichen körperlichen und geistigen Qualen. Christus zeigt dem Menschen ein Beispiel für die Überwindung aller Schwierigkeiten.
„Die Kreuztragung“ widerspricht in seinen künstlerischen Qualitäten allen Bildkanonen. Bosch stellte eine Szene dar, deren Raum jeglichen Bezug zur Realität verloren hatte. Köpfe und Oberkörper ragen aus der Dunkelheit hervor und verschwinden in der Dunkelheit.
Er überführt Hässlichkeit, sowohl äußere als auch innere, in eine bestimmte höhere ästhetische Kategorie, die auch nach sechs Jahrhunderten weiterhin Geister und Gefühle erregt.

In Hieronymus Boschs Gemälde „Die Dornenkrönung“ erscheint Jesus, umgeben von vier Folterknechten, mit einer Miene feierlicher Demut vor dem Betrachter. Vor der Hinrichtung krönen zwei Krieger sein Haupt mit einer Dornenkrone.
Die Zahl „Vier“ – die Zahl der dargestellten Peiniger Christi – zeichnet sich unter den symbolischen Zahlen durch einen besonderen Assoziationsreichtum aus; sie wird mit dem Kreuz und dem Quadrat in Verbindung gebracht. Vier Teile der Welt; vier Jahreszeiten; vier Flüsse im Paradies; vier Evangelisten; vier große Propheten – Jesaja, Jeremia, Hesekiel, Daniel; vier Temperamente: Sanguiniker, Choleriker, Melancholiker und Phlegmatiker.
Die vier bösen Gesichter der Peiniger Christi sind Träger von vier Temperamenten, das heißt aller Arten von Menschen. Die beiden Gesichter oben gelten als Verkörperung des phlegmatischen und melancholischen Temperaments, die beiden Gesichter unten als Sanguiniker und Choleriker.

Der teilnahmslose Christus steht im Mittelpunkt der Komposition, aber die Hauptsache ist hier nicht er, sondern das triumphierende Böse, das die Gestalt von Peinigern angenommen hat. Das Böse scheint Bosch ein natürliches Glied in einer vorgeschriebenen Ordnung der Dinge zu sein.

Hieronymus Bosch Altarbild „Die Versuchung des Heiligen Antonius“, 1505-1506
Das Triptychon fasst die Hauptmotive von Boschs Werk zusammen. Zu dem Bild des in Sünden und Dummheit versunkenen Menschengeschlechts und der endlosen Vielfalt höllischer Qualen, die es erwartet, gesellen sich hier die Passion Christi und Szenen der Versuchung des Heiligen, dessen unerschütterliche Glaubensfestigkeit es ihm ermöglicht, dem standzuhalten Ansturm der Feinde – der Welt, des Fleisches, des Teufels.
Das Gemälde „Flucht und Fall des Heiligen Antonius“ befindet sich im linken Flügel des Altars „Die Versuchung des Heiligen Antonius“ und erzählt die Geschichte des Kampfes des Heiligen mit dem Teufel. Der Künstler ist in seinem Werk mehr als einmal auf dieses Thema zurückgekommen. Der heilige Antonius ist ein lehrreiches Beispiel dafür, wie man irdischen Versuchungen widerstehen, jederzeit auf der Hut sein muss, nicht alles akzeptieren muss, was wahr zu sein scheint, und wissen, dass Täuschung zur Verdammnis Gottes führen kann.

Jesus in Gewahrsam nehmen und das Kreuz tragen 1505-1506. Nationalmuseum, Lissabon.

Außentüren des Triptychons „Die Versuchung des Heiligen Antonius“
Linke Außentür „Die Gefangennahme Jesu im Garten Gethsemane“. Rechter Außenflügel „Kreuztragung“.

Der zentrale Teil von „Die Versuchung des heiligen Antonius“. Im Bildraum wimmelt es förmlich von fantastischen, unglaubwürdigen Charakteren.
In dieser Zeit, als die Existenz der Hölle und Satans eine unveränderliche Realität war, als das Kommen des Antichristen völlig unvermeidlich schien, hätte die furchtlose Standhaftigkeit des Heiligen, der uns aus seiner von den Mächten des Bösen erfüllten Kapelle ansah, die Menschen ermutigen sollen und ihnen Hoffnung eingeflößt.

Der rechte Flügel des Triptychons „Der Garten der Lüste“ erhielt seinen Namen „Musikalische Hölle“ aufgrund der Abbildungen von Instrumenten, die als Folterinstrumente verwendet wurden

Das Opfer wird zum Henker, die Beute wird zum Jäger, und dies vermittelt perfekt das Chaos, das in der Hölle herrscht, wo die normalen Beziehungen, die einst in der Welt existierten, auf den Kopf gestellt werden und die gewöhnlichsten und harmlosesten Objekte entstehen Alltagsleben Sie werden zu monströsen Größen und verwandeln sich in Folterinstrumente.

Hieronymus Bosch Altarbild „Garten der Lüste“, 1504-1505

Der linke Flügel des Triptychons „Der Garten der Lüste“ stellt die letzten drei Tage der Erschaffung der Welt dar und wird „Schöpfung“ oder „Irdisches Paradies“ genannt.

Der Künstler bevölkert die fantastische Landschaft mit vielen realen und unwirklichen Tier- und Pflanzenarten.
Im Vordergrund dieser Landschaft, die die vorsintflutliche Welt darstellt, ist keine Szene der Versuchung oder Vertreibung von Adam und Eva aus dem Paradies dargestellt, sondern ihre Vereinigung mit Gott.
Er hält Evas Hand, wie es bei einer Trauung üblich ist. Hier stellt Bosch die mystische Hochzeit von Christus, Adam und Eva dar

Im Zentrum der Komposition erhebt sich die Quelle des Lebens – hoch. eine dünne, rosafarbene Struktur, die mit aufwendigen Schnitzereien verziert ist. Glitzert im Schlamm Edelsteine sowie fantastische Tierwesen sind wahrscheinlich von mittelalterlichen Vorstellungen über Indien inspiriert, das seit der Zeit Alexanders des Großen mit seinen Wundern die Fantasie der Europäer fesselt. Es herrschte eine weitverbreitete und weitverbreitete Annahme, dass sich der vom Menschen verlorene Garten Eden in Indien befunden habe.

Das Altarbild „Der Garten der Lüste“ ist das berühmteste Triptychon von Hieronymus Bosch, das seinen Namen vom Thema des Mittelteils erhielt, das der Sünde der Wollust – Luxuria – gewidmet ist.
Man sollte nicht davon ausgehen, dass Bosch beabsichtigte, die Menge nackter Liebender zur Apotheose sündloser Sexualität zu machen. Für die mittelalterliche Moral war der Geschlechtsverkehr, den sie im 20. Jahrhundert schließlich als selbstverständlichen Teil des menschlichen Daseins wahrzunehmen lernte, häufiger ein Beweis dafür, dass der Mensch seine engelhafte Natur verloren und in die Tiefe gefallen war. Bestenfalls wurde die Kopulation als notwendiges Übel angesehen, schlimmstenfalls als Todsünde. Für Bosch ist der Garten der irdischen Freuden höchstwahrscheinlich eine von Lust verdorbene Welt.

Welterschaffung 1505-1506. Prado-Museum, Madrid.

Außentüren „Erschaffung der Welt“ des Altars „Garten der Lüste“. Bosch stellt hier den dritten Schöpfungstag dar: die Erschaffung der Erde, flach und rund, vom Meer umspült und in eine riesige Kugel gelegt. Darüber hinaus wird neu entstehende Vegetation dargestellt.
Diese seltene, wenn nicht einzigartige Handlung zeigt die Tiefe und Kraft von Boschs Vorstellungskraft.

Hieronymus Bosch Altarbild „Heuwagen“, 1500-1502

Paradies, Triptychon eines Heuwagens

Der linke Fensterladen von Hieronymus Boschs Triptychon „Ein Heuwagen“ ist dem Thema des Sündenfalls unserer Ureltern Adam und Eva gewidmet. Der traditionelle, kultische Charakter dieser Komposition steht außer Zweifel: Sie enthält vier Episoden aus dem biblischen Buch Genesis – die Vertreibung der rebellischen Engel vom Himmel, die Erschaffung Evas, den Sündenfall und die Vertreibung aus dem Paradies. Alle Szenen sind im Raum einer einzigen Landschaft verteilt, die das Paradies darstellt.

Ein Karren voller Heu 1500-1502, Prado-Museum, Madrid.

Die Welt ist ein Heuhaufen: Jeder schnappt sich so viel er kann. Die Menschheit scheint in Sünde versunken zu sein, göttliche Institutionen völlig abzulehnen und dem vom Allmächtigen für sie vorbereiteten Schicksal gleichgültig gegenüberzustehen.

Das Triptychon „Ein Heuwagen“ von Hieronymus Bosch gilt als die erste der großen satirischen und juristischen Allegorien der Reifezeit des Schaffens des Künstlers.
Vor dem Hintergrund einer endlosen Landschaft zieht eine Kavalkade hinter einem riesigen Heukarren, darunter der Kaiser und der Papst (mit erkennbaren Merkmalen Alexanders VI.). Vertreter anderer Klassen – Bauern, Städter, Geistliche und Nonnen – schnappen sich Arme voll Heu aus einem Karren oder kämpfen darum. Christus, umgeben von einem goldenen Glanz, beobachtet gleichgültig und distanziert das fieberhafte menschliche Treiben von oben.
Niemand außer dem Engel, der oben auf dem Karren betet, bemerkt weder die göttliche Präsenz noch die Tatsache, dass der Karren von Dämonen gezogen wird.

Der rechte Fensterladen von Hieronymus Boschs Triptychon „Ein Heuwagen“. Das Bild der Hölle findet sich in Boschs Werken viel häufiger als das Bild des Himmels. Der Künstler füllt den Raum mit apokalyptischen Feuern und Ruinen architektonischer Gebäude und erinnert an Babylon – die christliche Quintessenz der dämonischen Stadt, traditionell im Gegensatz zur „Stadt des himmlischen Jerusalem“. In seiner Version der Hölle stützte sich Bosch auf literarische Quellen und färbte die daraus abgeleiteten Motive durch das Spiel mit seiner eigenen Fantasie.

Die äußeren Fensterläden des Altars „Heuhwagen“ tragen ihren eigenen Namen „Lebensweg“ und sind handwerklich schlechter als das Bild auf den inneren Fensterläden und wurden vermutlich von Boschs Lehrlingen und Studenten fertiggestellt
Der Weg von Boschs Pilger führt durch eine feindselige und tückische Welt, und alle Gefahren, die er birgt, werden in den Details der Landschaft deutlich. Einige bedrohen das Leben, verkörpert in den Bildern von Räubern oder einem bösen Hund (es kann jedoch auch Verleumder symbolisieren, deren böse Zunge oft mit dem Bellen eines Hundes verglichen wurde). Die tanzenden Bauern sind ein Bild einer anderen, moralischen Gefahr; Wie Liebende auf einem Heuwagen ließen sie sich von der „Musik des Fleisches“ verführen und unterwarfen sich ihr.

Hieronymus Bosch „Visionen der Unterwelt“, Teil des Altarbildes „Jüngstes Gericht“, 1500-1504

Irdisches Paradies, Komposition Visions of the Underworld

In seiner reifen Schaffensperiode bewegt sich Bosch von der Darstellung der sichtbaren Welt zur imaginären Welt, die durch seine unbändige Vorstellungskraft erzeugt wird. Visionen erscheinen ihm wie in einem Traum, denn Boschs Bildern sind frei von Körperlichkeit, sie vereinen auf komplexe Weise betörende Schönheit und Unwirklichkeit, wie in einem Albtraum, Schrecken: Ätherische Phantomgestalten haben keine irdische Schwerkraft und fliegen leicht in die Höhe. Die Hauptfiguren von Boschs Gemälden sind weniger Menschen als vielmehr grimassierende Dämonen, gruselige und zugleich lustige Monster.

Dies ist eine Welt, die außerhalb Ihrer Kontrolle liegt gesunder Menschenverstand, das Königreich des Antichristen. Der Künstler übersetzte die Prophezeiungen, die sich verbreiteten Westeuropa bis zum Beginn des 16. Jahrhunderts – der Zeit, als das Ende der Welt vorhergesagt wurde,

Aufstieg zum Empyrean 1500-1504, Dogenpalast, Venedig.

Das Irdische Paradies liegt direkt unterhalb des Himmlischen Paradieses. Dies ist eine Art Zwischenstadium, in dem die Gerechten von den letzten Flecken der Sünde gereinigt werden, bevor sie vor dem Allmächtigen erscheinen.

Die Dargestellten marschieren, begleitet von Engeln, zur Quelle des Lebens. Diejenigen, die bereits gerettet wurden, richten ihren Blick zum Himmel. Beim Aufstieg zum Empyrean eilen körperlose Seelen, befreit von allen irdischen Dingen, dem hellen Licht entgegen, das über ihren Köpfen scheint. Dies ist das Letzte, was die Seelen der Gerechten von der ewigen Verschmelzung mit Gott, von „der absoluten Tiefe der offenbarten Göttlichkeit“ trennt.

Sturz der Sünder 1500-1504, Dogenpalast, Venedig.

„Der Sturz der Sünder“: Sünder, von Dämonen mitgerissen, fliegen in der Dunkelheit hinab. Die Konturen ihrer Figuren werden durch höllische Flammenblitze kaum hervorgehoben.

Auch viele andere von Bosch geschaffene Höllenvisionen wirken chaotisch, allerdings nur auf den ersten Blick, und bei näherer Betrachtung offenbaren sie stets Logik, klare Struktur und Sinnhaftigkeit.

Höllenfluss Komposition Visionen der Unterwelt 1500-1504, Dogenpalast, Venedig.

Auf dem Gemälde „Fluss der Hölle“ schießt eine Feuersäule von der Spitze einer steilen Klippe in den Himmel, und unten im Wasser zappeln hilflos die Seelen der Sünder. Im Vordergrund steht ein Sünder, wenn auch noch nicht reuig, so doch nachdenklich. Er sitzt am Ufer und bemerkt den Dämon mit Flügeln nicht, der ihn an der Hand zieht. Das Jüngste Gericht ist das Hauptthema, das sich durch das gesamte Werk von Bosch zieht. Er stellt das Jüngste Gericht als eine globale Katastrophe dar, eine von Höllenfeuerblitzen erhellte Nacht, vor deren Hintergrund monströse Monster Sünder quälen.

Zur Zeit Boschs argumentierten Hellseher und Astrologen, dass der Antichrist vor der Wiederkunft Christi und dem Jüngsten Gericht die Welt beherrschen würde. Viele glaubten damals, dass diese Zeit bereits gekommen sei. Die Apokalypse – die Offenbarung des Apostels Johannes des Theologen, geschrieben während der Zeit der religiösen Verfolgung im antiken Rom, eine Vision der schrecklichen Katastrophen, denen Gott die Welt für die Sünden der Menschen aussetzen würde – erfreute sich großer Beliebtheit. Alles wird in der reinigenden Flamme zugrunde gehen.

Das Gemälde „Extracting the Stones of Dummity“, das das Verfahren zur Extraktion des Steins des Wahnsinns aus dem Gehirn veranschaulicht, ist der menschlichen Naivität gewidmet und zeigt die typische Quacksalberei der damaligen Heiler. Dargestellt sind mehrere Symbole, etwa ein Trichter der Weisheit, der dem Chirurgen zum Spott auf den Kopf gesetzt wurde, ein Krug an seinem Gürtel und die Tasche eines Patienten, die mit einem Dolch durchbohrt wurde.

Hochzeit in Kana

In die traditionelle Handlung des ersten von Christus vollbrachten Wunders – der Verwandlung von Wasser in Wein – führt Bosch neue mysteriöse Elemente ein. Ein Psalmvorleser, der mit erhobenen Armen vor dem Brautpaar steht, ein Musiker auf einer provisorischen Galerie, ein Zeremonienmeister, der auf die ausgestellten fein gearbeiteten Prunkschalen zeigt, ein Diener, der in Ohnmacht fällt – all diese Gestalten kommen völlig unerwartet und ungewöhnlich für die dargestellte Handlung.

Zauberer 1475 - 1480er Jahre. Museum Boijmans van Beuningen.

Board Hieronymus Bosch „Der Zauberer“ ist ein Film voller Humor, in dem die Gesichter der Charaktere und natürlich das Verhalten der Hauptfiguren lustig sind Figuren: ein heimtückischer Scharlatan, ein Einfaltspinsel, der glaubte, einen Frosch ausgespuckt zu haben, und ein Dieb, der mit gleichgültigem Blick seine Tasche schleppt.

Das Gemälde „Der Tod und der Geizhals“ wurde nach einer Handlung gemalt, die möglicherweise von dem in den Niederlanden bekannten erbaulichen Text „Ars moriendi“ („Die Kunst des Sterbens“) inspiriert wurde, der den Kampf von Teufeln und Engeln um die Seele beschreibt eines sterbenden Menschen.

Bosch fängt den entscheidenden Moment ein. Der Tod überschreitet die Schwelle des Raumes, ein Engel ruft das Bild des gekreuzigten Erlösers an und der Teufel versucht, Besitz von der Seele eines sterbenden Geizhalses zu ergreifen.

Das Gemälde „Allegorie der Völlerei und Lust“ oder anders „Allegorie der Völlerei und Lust“ betrachtete Bosch offenbar als eine der abscheulichsten und vor allem den Mönchen innewohnenden Sünden.

Gemälde „Die Kreuzigung Christi“. Für Bosch ist das Bild Christi die Verkörperung von Barmherzigkeit, geistiger Reinheit, Geduld und Einfachheit. Er wird von mächtigen Mächten des Bösen bekämpft. Sie unterwerfen ihn schrecklichen körperlichen und geistigen Qualen. Christus zeigt dem Menschen ein Beispiel für die Überwindung aller Schwierigkeiten. Ihm folgen sowohl Heilige als auch einige gewöhnliche Menschen.

Gemälde „Gebet des Heiligen Hieronymus“. Der heilige Hieronymus war der Schutzpatron von Hieronymus Bosch. Vielleicht wird der Einsiedler deshalb eher zurückhaltend dargestellt

Der heilige Hieronymus oder der selige Hieronymus von Stridon ist einer der vier lateinischen Kirchenväter. Hieronymus war ein Mann mit starkem Intellekt und feurigem Temperament. Er reiste weit und pilgerte in seiner Jugend ins Heilige Land. Später zog er sich für vier Jahre in die Wüste von Chalkis zurück, wo er als asketischer Einsiedler lebte.

Das Gemälde „Der heilige Johannes auf Patmos“ von Bosch zeigt Johannes den Evangelisten, der auf der Insel Patmos seine berühmte Prophezeiung schreibt.

Um das Jahr 67 wurde das Buch der Offenbarung (Apokalypse) des heiligen Apostels Johannes des Theologen geschrieben. Darin werden nach Ansicht der Christen die Geheimnisse des Schicksals der Kirche und des Weltuntergangs gelüftet.

In diesem Werk illustriert Hieronymus Bosch die Worte des Heiligen: „Siehe, das Lamm Gottes, das der Welt Sünde trägt.“

Johannes der Täufer oder Johannes der Täufer – den Evangelien zufolge der nächste Vorgänger von Jesus Christus, der das Kommen des Messias vorhersagte. Er lebte als Asket in der Wüste und predigte dann die Bußetaufe für die Juden. Er taufte Jesus Christus im Wasser des Jordan und wurde dann aufgrund der Machenschaften der jüdischen Prinzessin Herodias und ihrer Tochter Salome enthauptet.

Heiliger Christophorus 1505. Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam.

Der heilige Christophorus wird als Riese dargestellt, der ein segnendes Kind über den Fluss trägt – eine Episode, die direkt aus seinem Leben folgt

Der heilige Christophorus ist ein Märtyrerheiliger, der von den Katholiken verehrt wird Orthodoxe Kirchen, der im 3. Jahrhundert lebte.

Einer der Legenden zufolge war Christophorus ein Römer von enormer Statur, der ursprünglich den Namen Reprev trug.

Eines Tages bat er darum, über den Fluss getragen zu werden kleiner Junge. Mitten im Fluss wurde er so schwer, dass Christopher befürchtete, sie würden beide ertrinken. Der Junge sagte ihm, dass er Christus sei und alle Lasten der Welt mit sich trage. Dann taufte Jesus Reprev im Fluss und er erhielt seinen neuen Namen – Christopher, „der Christus trägt“. Dann sagte das Kind zu Christopher, dass er einen Ast in die Erde stecken könne. Dieser Zweig wuchs auf wundersame Weise zu einem fruchtbaren Baum heran. Dieses Wunder bekehrte viele zum Glauben. Wütend darüber ließ der örtliche Herrscher Christophorus einsperren, wo er nach vielen Qualen den Märtyrertod erlitt.

In der Komposition verstärkt Bosch die Rolle der negativen Charaktere rund um Christus deutlich und rückt Räuberbilder in den Vordergrund. Der Künstler wandte sich immer wieder dem Motiv zu, durch die Selbstaufopferung Christi eine Welt voller Böses zu retten. Wenn Boschs Hauptthema in der ersten Phase seiner Kreativität die Kritik an menschlichen Lastern war, dann strebt er als reifer Meister danach, das Bild eines positiven Helden zu schaffen, indem er ihn in Bildern von Christus und Heiligen verkörpert.

Majestätisch sitzt die Gottesmutter vor einer heruntergekommenen Hütte. Sie zeigt den weisen Männern das Baby, gekleidet in luxuriöse Kleidung. Es besteht kein Zweifel, dass Bosch der Verehrung der Heiligen Drei Könige bewusst den Charakter eines liturgischen Gottesdienstes verleiht: Davon zeugen die Gaben, die der älteste der „Ostkönige“ Balthasar Maria zu Füßen legt – eine kleine Skulpturengruppe stellt Abraham dar seinen Sohn Isaak zu opfern; Dies ist eine Vorahnung des Opfers Christi am Kreuz.

Hieronymus Bosch wählte oft das Leben von Heiligen als Thema seiner Gemälde. Im Gegensatz zu den Traditionen der mittelalterlichen Malerei stellt Bosch selten die von ihnen vollbrachten Wunder und die siegreichen, spektakulären Episoden ihres Martyriums dar, die die Menschen dieser Zeit begeisterten. Der Künstler verherrlicht die „stillen“ Tugenden, die mit der selbstbezogenen Kontemplation verbunden sind. In Bosch gibt es keine heiligen Krieger, keine sanften Jungfrauen, die verzweifelt ihre Keuschheit verteidigen. Seine Helden sind Einsiedler, die vor der Kulisse der Landschaft frommen Betrachtungen nachgehen.

Martyrium der Heiligen Liberata 1500-1503, Dogenpalast, Venedig.

Die Heilige Liberata oder Vilgefortis (von lateinisch Virgo Fortis – Standhafte Jungfrau; 2. Jahrhundert) ist eine katholische Heilige, die Schutzpatronin der Mädchen, die lästige Verehrer loswerden wollen. Der Legende nach war sie die Tochter des portugiesischen Königs, eines eingefleischten Heiden, der sie mit dem König von Sizilien verheiraten wollte. Sie wollte jedoch keine Könige heiraten, da sie Christin war und ein Zölibatsgelübde abgelegt hatte. Um ihr Gelübde einzuhalten, betete die Prinzessin zum Himmel und fand eine wundersame Befreiung – sie ließ sich einen dicken, langen Bart wachsen; Der sizilianische König wollte eine so ängstliche Frau nicht heiraten, woraufhin der wütende Vater befahl, sie zu kreuzigen.

Die Passion Christi in all ihrer Grausamkeit wird im Gemälde „Ecce Homo“ („Menschensohn vor der Menge“) dargestellt. Bosch zeigt Christus, wie er von Soldaten, deren exotische Kopfbedeckungen an ihr Heidentum erinnern, auf ein hohes Podium geführt wird; Die negative Bedeutung des Geschehens wird durch traditionelle Symbole des Bösen unterstrichen: eine Eule in einer Nische, eine Kröte auf dem Schild eines der Krieger. Mit drohenden Gesten und schrecklichen Grimassen drückt die Menge ihren Hass auf den Sohn Gottes aus.

Die lebendige Authentizität von Boschs Werken, die Fähigkeit, die Bewegungen der menschlichen Seele darzustellen, die erstaunliche Fähigkeit, einen reichen Mann und einen Bettler, einen Kaufmann und einen Krüppel zu zeichnen – all dies gibt ihm einen sehr wichtigen Platz in der Entwicklung der Genremalerei .

Boschs Werk wirkt seltsam modern: Vier Jahrhunderte später zeigte sich sein Einfluss plötzlich in der expressionistischen Bewegung und später im Surrealismus.